Месечни архиви: март 2018

Излиза уникално издание с пет концерта на Майлс Дейвис и Джон Колтрейн

Майлс Дейвис е едно от най-големите имена в историята джаза. Photo Credit: 2014 © Glen Craig / Columbia/Legacy RecordingsАлбумът The Final Tour: The Bootleg Series, Vol. 6 с композиции от 1960 г. е мастериран с помощта на най-новите звукозаписни технологии.

СОФИЯ. Петте съвместни концерта от 1960 г. на Майлс Дейвис (Miles Davis; 1926-1991) и Джон Колтрейн (John Coltrane; 1926-1967) в Париж, Стокхолм и Копенхаген, излизат за първи път в албум като финална част от наградената с Grammy® поредица The Bootleg Series. Световната премиера на тавата Miles Davis & John Coltrane – The Final Tour: The Bootleg Series, Vol. 6 е в петък, 23 март, съобщиха от компанията Вирджиния Рекърдс/Sony Music, издател и разпространител на проекта.


Албумът от колекцията на Columbia/Legacy Recordings, каталожното подразделение на Sony Music Entertainment, излиза на 4 CD-та и в дигитална версия във всички платформи за даунлоад и стрийминг. Проектът разкрива страхотната музикална химия между Майлс и Трейн и събира за първи път фрагменти от петте изключителни концерта, част от легендарното им турне Spring 1960 Jazz At The Philharmonic European Tour. До момента изпълненията на виртуозните джазмени и на техния фантастичен бенд беше слушала единствено публиката, присъствала в легендарната парижка зала L’Olympia Theater на 21 март 1960 г., ден по-късно – в зала Konserthuset в Стокхолм, и на концерта от 24 март в зала Tivolis Koncertsal в Копенхаген.

Гениалният тромпетист на сцената. Photo Credit: © Columbia/Legacy RecordingsПродуценти на уникалното четворно издание са многократните носители на Grammy® Стив Берковиц (Steve Berkowitz), Майкъл Кускуна (Michael Cuscuna) и Ричард Зайдел (Richard Seidel), а албумът е мастериран от Майк Уайлдър (Mark Wilder), инженер на Sony Music и носител на същата престижна награда.

Записите са осъществени във времето, когато Майлс и Трейн правят своята лична революция в джаза. Двамата са сред най-влиятелните музиканти на XX в., които остават в историята със своята иновативност, с музикалните си търсения и с неконвенционалното звучене, което създават. Истински титани с огромен принос за развитието на модалния джаз, фюжън, куул джаз, хард боп, те са автори на двата най-велики, според критиката, албума в историята на този стил: Kind of Blue (1959) на Майлс Дейвис и A Love Supreme (1965) на Джон Колтрейн.

„Докато слушате записите от турнето през 1960 г. усещате голяма част от това, което се случва на сцената и до нея. Освен силата и емоцията в изпълненията, суинга и енергията на музикантите, неподправената реакция на европейската публика е неразривна част от тези исторически записи.” – пише в книжката към албума музикалният историк Ашли Кан (Ashley Kahn), носител на Grammy Award®.

Концертната програма е своеобразна колекция Greatest Hits на тромпетиста Майлс Дейвис и включва композиции като Round Midnight, Bye Bye Blackbird, On Green Dolphin Street, Walkin’, All Of You и Oleo – стандарти, които Майлс превръща в класики и които по-късно са последвани от невероятните So What и All Blues от албума Кind Of Blue

Майлс Дейвис през 1956 г. в прочутото студио на Columbia на 30-та улица (Columbia 30th Street Studio) - наричано още The Church, в Мнахатън, Ню Йорк. Photo Credit: © Hank Parker / Columbia/Legacy RecordingsПрез 1955 г. гениалният Майлс сформира Първия голям квинтет (The First Great Quintet) и кани Джон Колтрейн - тенор саксофон, Ред Гарлънд (Red Garland, Jr.; 1923-1984) - пиано, Пол Чембърс (Paul Chambers, Jr.: 1935-1969) – бас, и Фили Джо Джоунс (Philly Joe Jones; 1923-1985) - ударни. Две години по-късно квинтетът записва Round About Midnight, Miles – първият албум за лейбъла Columbia Records. Тези ранни записи показват контраста между пространствените мелодични линии в звученето на Майлс и каскадните високоенергични сола на Колтрейн, казват издателите.

Концертните записи от европейското турне на Майлс и Трейн запечатват последните общи сценични изяви на двамата легендарни музиканти и разкриват изключителното влияние, което двамата оказват върху развитието на джаза – традиционен и авангарден. Красивата музика, която Майлс Дейвис и Джон Колтрейн създават заедно, е представена за първи път в предстоящия албум, а концертните изпълнения са мастерирани благодарение на най-новите звукозаписни технологии, като са използвани оригиналните аналогови ¼-инчови ленти, записани през 1960 г. от националните оператори на Франция и Швеция.

The Final Tour е албум с изключително значение за всички любители на джаза и е своеобразна покана за пътуване назад във времето с красотата и магията на Майлс и Трейн. Освен двамата, в бенда, участвал в турнето, са още Уинтън Кели (Wynton Kelly; 1931-1971) - пиано, Пол Чембърс - бас, и Джими Коб (Jimmy Cobb; 1929) - барабани, които записват и класическата тава Kind Of Blue.

Изданието The Final Tour включва и автентичен запис на непубликувано досега аудио интервю с Джон Колтрейн, взето от известния шведски тенор саксофонист и кларинетист Карл-Ерик Линдгрен (Carl-Erik Lindgren; 1926-1977). Излъчени еднократно в радио ефира през март 1960 г., тези концерти се радват на изключително внимание от страна на меломани и колекционери. Затова, за всички любители на грамофонните плочи е и специалното издание The Final Tour: Copenhagen, March 24, 1960 на 12-инчов винил формат.

Световната премиера на албума Miles Davis & John Coltrane - The Final Tour: The Bootleg Series, Vol. 6 е на 23 март. Снимка: Вирджиния Рекърдс/Sony Music © Columbia/Legacy Recordings* * *

Първите пет издания от серията
Miles Davis Bootleg Series са:

- Live in Europe 1967: The Bootleg Series Vol. 1
(изд. през 2011)
- Miles Davis Quintet - Live In Europe 1969:
The Bootleg Series Vol. 2
(изд. през 2013)
- MILES AT THE FILLMORE - Miles Davis 1970:The Bootleg Series Vol. 3 (изд. през 2014)
- MILES DAVIS AT NEWPORT 1955-1975:
The Bootleg Series Vol. 4
(изд. през 2015)
- Miles Davis Quintet: Freedom Jazz Dance:
The Bootleg Series, Vol 5
(изд. през 2016)

* * *

Съдържаниe на албума
Miles Davis & John Coltrane
The Final Tour: The Bootleg Series, Vol. 6

Disc 1 – CD  

1. All of You (Live from Olympia Theatre, Paris) - 00:17:05
2. So What (Live from Olympia Theatre, Paris) - 00:13:25
3. On Green Dolphin Street (Live from Olympia Theatre, Paris)00:14:40
4. Walkin’ (Live from Olympia Theatre, Paris)00:15:52

Disc 2 – CD

1. Bye Bye Blackbird (Live from Olympia Theatre, Paris) - 00:14:01
2. ‘Round Midnight (Live from Olympia Theatre, Paris) - 00:05:37
3. Oleo (Live from Olympia Theatre, Paris)00:04:22
4. The Theme (Live from Olympia Theatre, Paris)00:00:50
5. Introduction (Live from Tivoli Konsertsal, Copenhagen) - 00:01:00
6. So What (Live from Tivoli Konsertsal, Copenhagen) - 00:14:36
7. On Green Dolphin Street
   (Live from Tivoli Konsertsal, Copenhagen)
00:14:35
8. All Blues (Live from Tivoli Konsertsal, Copenhagen)00:15:31
9. The Theme (incomplete) (Live from Tivoli Konsertsal, Copenhagen)00:00:31  

Disc 3 – CD

1. Introduction by Norman Granz
   (Live from Konserthuset, Stockholm)
00:01:11
2. So What (Live from Konserthuset, Stockholm)00:10:35
3. Fran Dance (Live from Konserthuset, Stockholm)00:07:25
4. Walkin (Live from Konserthuset, Stockholm)00:16:21
5. The Theme (Live from Konserthuset, Stockholm) - 00:00:53

Disc 4 – CD


1. So What (Second Concert) (Live from Konserthuset, Stockholm)00:15:20
2. On Green Dolphin Street (Live from Konserthuset, Stockholm)00:13:40
3. All Blues (Live from Konserthuset, Stockholm)00:16:10
4. The Theme (Second Concert) (Live from Konserthuset, Stockholm)00:00:59
5. John Coltrane Interview (Live from Konserthuset, Stockholm)00:06:13

Source Article from http://artnovini.com/art-mix/muzika/2447-izliza-unikalnoto-izdanie-s-pet-konzerta-na-miles-davis-i-john-coltrane.html

Проф. Десислава Минчева представя живопис в Градската галерия във Варна

В изложбата си в Градската художествена галерия във Варна проф. Десислава Минчева показва портрети, фигури и пейзажи. Вляво: „Портрет на Калина Тасева”, вдясно: „Автопортрет”. Снимка: artnovini.com / © Личен архив на художничкатаЕкспозицията е на разположение на почитателите на изобразителното изкуство от 21 март до 10 април т.г.

ВАРНА. Едно от най-значимите културни събития през тази седмица в морския град несъмнено е изложбата с живописни творби на проф. Десислава Минчева, която днес, 21 март, от 18.00 ч. открива Градската художествена галерия. Експозицията е разположена в две зали на първия етаж на ул. „Любен Каравелов” 1 и представя 23 творби на световноизвестната българска художничка. „Картините, които представям, са рисувани през последните година-две. Повечето от тях са показвани, но сега – тук, звучат по съвсем различен начин”, споделя проф. Минчева.


Художник: © Десислава МинчеваЗа творчеството на Десислава Минчева могат да бъдат казани много неща – според разбиранията на всеки. Едно, обаче, е сигурно: нейните великолепни портрети (сред тях: на майка ѝ – голямата българска художничка Калина Тасева, на скулптора Емил Попов, на певицата Деница Серафимова), изящните фигури и възхитителните пейзажи от северното Черноморие и Китай, пробуждат в душата на съзерцателя възторга от Изкуството и онзи неподвластен на противоречията на времето копнеж по вечната красота, съпътстващи през хилядолетията нашата цивилизация. Произведенията ѝ провокират съзидателните сили на човешката природа към размисъл, към творчество и вдъхновяват за живот. Разбира се, провокират само онези, които имат сетивата и чувствителността да усетят посланията, тайнствата, мощта, но и нежността на хармониите между дух и материя, между форма и съдържание, които разкрива в картините си художничката.

Изложбата на проф. Десислава Минчева е експонирана в две от залите на ГХГ - Варна. Снимка: artnovini.com / © личен архив на художничкатаПравенето на картини е спасение. Голямата трагедия е в онази грандиозна бездна, която зее между света в картините ни и този отвън. Чудя се понякога дали е морално да стоя в ателието и да рисувам, когато отвън всичко се тресе… Но… всеки си има Път… Ще ми бъде трудно да спра да правя изкуство, заради шайката безскрупулни типове, които се опитват да моделират живота ни. Има вечни, има и временни неща и стойности…” - каза преди време проф. Минчева в интервю за artnovini.com. И наистина, застанал пред творбите ѝ, човек неусетно се озовава във философски, естетически и морални измерения, където би могъл да потърси отговори за преходното и непреходното, за тленността и вечността, за реалността и идеалите…

Изложбата на проф. Десислава Минчева в Градската художествена галерия във Варна можете да видите от 21 март до 10 Април 2018 г.

Художник: © Десислава Минчева* * *  

Кратка биография

ДЕСИСЛАВА МИНЧЕВА е родена на 29 април 1956 г. в София. През 1981 г. завършва специалност „Живопис” в НХА, в класа на акад. Светлин Русев.

Художничката има над 45 самостоятелни изложби у нас и в чужбина. Нейни творби са във фонда на Националната художествена галерия, Софийска градска художествена галерия, както и в редица общински и частни колекции в страната и чужбина: Франция, Холандия, Белгия, Германия, Великобритания, Гърция, Финландия, САЩ, включително в колекцията на проф. д-р П. Лудвиг (Аахен, Германия), колекцията на Юго Вутен (Белгия) и колекцията на Академията в Сиан (Китай).

Десислава Минчева е професор в Катедра „Рисуване” на НХА, София, и преподава на студентите от специалности „Живопис” и „Скулптура”. За работата си в областта на рисунката художничката е отличена със Златен медал на фондация „Агаци”, Италия (2002). Проф. Минчева е изнасяла лекции в Академия „Ла Есмералда”, Мексико сити (2007); в Барселона, Испания (2008); в Екол де Боз’ар Париж, Франция (2008) и в Академия Брера в Милано, Италия ( 2009); в Академията в Сиан (2011, 2012) и през септември 2013 – в Академията в Ханджоу в Китай.

До 2016 г. проф. Минчева е член на Изпълнителното бюро на Съюза на българските художници, където ръководеше отдел „Международни отношения и връзки с обществеността” на организацията и беше редактор на Бюлетина на СБХ.

През 2008 г. художничката издаде книгата „39 съвременни български художници” и е куратор на изложбата, с участието на авторите от изследването. От 2005 до 2009 г. е сътрудник по въпросите на изобразителното изкуство в списание Bravacasa.

През 2014 г. е куратор на изложбата „20 съвременни български художници”, West Lake Museum, Ханджоу, Китай.

Проф. Десислава Минчева е участвала в АrtExpo New York (2001, 2002) и в Есенния салон в Париж (1991, 1992).

Source Article from http://artnovini.com/news/ot-sveta/2446-prof-desislava-mincheva-predstavia-givotis-v-gradskata-galleria-vav-varna-.html

The 12th edition of Art Dubai welcomes 105 galleries from 48 countries

In Art Dubai 2018 participate 105 galleries from 48 countries, with over 500 artists participating across its programmes. Courtesy: Art Dubai 2014This year the Forum will continue from Wednesday, March 21 – Friday, March 23, 2018.

DUBAI. Held under the patronage of His Highness Sheikh Mohammed bin Rashid Al Maktoum, Vice President and Prime Minister of the United Arab Emirates (UAE) and Ruler of Dubai, the 12th edition of Art Dubai – the fair’s most globally diverse to date – will open its doors to the public from March 21 to March 23. Art Dubai 2018 will welcome a variety of exhibitors from all over the world and premier a new gallery section, alongside a wealth of programming and talks around art and beyond, announced artdubai.ae.


Reaffirming its position as a leading international art fair and the preeminent place to discover art from the Middle East, North Africa and South Asia, Art Dubai 2018 (Madinat Jumeirah, Fort Island) features 105 galleries from 48 countries across its Contemporary and Modern halls as well as its new section Residents.

Highlights of this year’s programming include the unveiling of Lawrence Abu Hamdan’s winning commission for the 10th edition of the Abraaj Group Art Prize and Khaleeji artist collective GCC turning Art Dubai’s The Room into a TV studio in GOOD MORNING GCC (.صباح الخير جي. سي. سي).

As part of Art Dubai’s new partnership with the Misk Art Institute, the fair will present a museum-quality exhibition entitled, That Feverish Leap into the Fierceness of Life, featuring rarely-seen Modern works from across the region as well as Reframe Saudi, a Virtual Reality documentary film that explores Saudi Arabia by looking inside the studios of Contemporary artists based in the Kingdom.

Alongside gallery halls and exhibitions, Art Dubai will feature a comprehensive talks programme: the 12th edition of the Global Art Forum entitled I Am Not a Robot” that will explore the highly topical theme of automation; as well as the second edition of Art Dubai’s Modern Symposium, which addresses the lives and cultural impact of 20th century masters from the Middle East, South Asia and Africa.

The Sheikha Manal Little Artists Program returns for its 6th edition, featuring Japanese-Australian Artist Hiromi Tango as the lead-artist, who will work with children throughout the week as part of her project Healing Garden.

Once more, Art Dubai reaffirms its position as the platform representing the Middle East, North Africa and South Asia, where initiatives are formed or announced, artists’ careers launched onto the international stage and where new partnerships and discoveries are made.” said Myrna Ayad, Director, Art Dubai.

Pablo del Val, Artistic Director, Art Dubai, commented: With each edition, we work towards stronger, more defined curatorial narratives that this year, are combined with the cultural offerings of 48 countries. It’s been extremely rewarding to launch Residents and see it culminate at the fair; this initiative is in line with our objective to both engage communities and attract new energies to the fair and city.

Art Dubai Contemporary

With 78 galleries from 42 countries, including first-time gallery participations from Iceland, Ethiopia, Ghana and Kazakhstan, this year’s Contemporary gallery halls confirm Art Dubai’s unique character as a platform for discovery for art from across the world and meeting point for art from established centres and emerging scenes alike. Spread across two gallery halls, Art Dubai’s Contemporary section will see a strong representation of galleries from the Middle East, North Africa and South Asia, a significant contingent of returning galleries from Europe and North America, as well as a unique line-up of galleries from Africa and Latin America.

Art Dubai Modern

The 5th edition of Art Dubai Modern will feature a 16 galleries from 14 countries and introduce, for the first time, collective exhibitions, in addition to solo- and two-artist shows. The only commercial platform for museum-quality Modern works from the region, galleries participating in Art Dubai Modern 2018 will feature renowned Modernists form the Middle East, Africa and South Asia. Misk Art Institute is the exclusive partner of Art Dubai Modern.

Residents

Premiering in 2018, Residents is a programme-cum-gallery section at Art Dubai, which saw 11 international artists come to the UAE for a 4-8 week residency, producing work which will be presented by the artists’ respective galleries in this new section at the fair. During their residencies at in5 and Tashkeel in Dubai and Warehouse421 in Abu Dhabi, the artists had the opportunity to engage with the local community, work collaboratively with one another, participate in talks, and conduct open studios.

The 10th edition of the Abraaj Group Art Prize

Celebrating its 10th anniversary in 2018, the Abraaj Group Art Prize has become a cornerstone of the art scene in the Middle East, North Africa and South Asia, as well as a stepping stone for mid-career artists, many of whom have become well-known names in the international art world. The 2018 edition of the Prize is curated by Myriam Ben Salah. The commissioned work by winning artist Lawrence Abu Hamdan, will be unveiled alongside an exhibition of works by shortlisted artists Basma Alsharif, Neil Beloufa and Ali Cherri.

The Room: GOOD MORNING GCC (.صباح الخير جي. سي. سي)

Art Dubai’s interactive dining experience, which is created by different artists each year, will be produced by Khaleeji artist collective GCC in 2018. Titled GOOD MORNING GCC (.صباح الخير جي. سي. سي), this year’s edition of The Room will recreate a live TV show on site, using the tropes of daytime talk shows commonly featured on TV stations across the Arab world as an anchor for the programming, which will include daily segments such as fashion, cooking and health. A particular highlight will be the celebrity wedding singer and TV chef Suliman Al Qassar, an icon of food performance and much-loved TV personality in the region, who will launch the programme with a live cooking demonstration on the opening night of the fair. The overall experience of the set will develop over the duration of the fair with daily performances, and visitors being able to interact with the props, furniture and scenography.

The Global Art Forum

Part of Art Dubai’s extensive cultural programming, the Global Art Forum is an annual arts conference – the largest in the Middle East, North Africa and South Asia – and unique in that it examines culture from a variety of disciplines and in bringing together leading minds from a variety of fields to discuss a specific topic.

The 12th edition of the Forum will focus on the power, paranoia and potentials of automation. Entitled I Am Not a Robot”, the 12th edition of the transdisciplinary summit will be programmed by Commissioner Shumon Basar, with Chief Operating Officer and Futurist-in-Chief of the Dubai Future Foundation Noah Raford, and Curator of Digital Culture & Design Collection at the MAK, Vienna, Marlies Wirth, as Co-Directors.

Art Dubai’s Global Art Forum is presented by the Dubai Culture and Arts Authority (Dubai Culture) and supported by Dubai Design District (d3).

Reframe Saudi

As part of its partnership with the Misk Art Institute, Art Dubai will present Reframe Saudi, a Virtual Reality documentary film that explores Saudi Arabia by looking inside the studios of contemporary artists. Art Dubai audiences are invited to experience a preview of the film, becoming witness to the vivid profusion of cultural narratives shaping life in the changing Kingdom. Directed by Matteo Lonardi and produced by Culturunners, the regional preview of Reframe Saudi at Art Dubai pre-empts the international launch of the final film at the World VRForum in June 2018.

The preview will be accompanied by a panel discussion on VR and Contemporary Art, moderated by Marisa Mazria Katz with World VR Forum Director, Salar Sahna, VR film maker Matteo Lonardi and Saudi Artist Ahaad Alamoudi.

That Feverish Leap into the Fierceness of Life

Presented alongside Art Dubai Modern and supported by the Misk Art Institute, the museum-quality exhibition, That Feverish Leap into the Fierceness of Life presents over 75 artworks by some of the leading members of five modernist artist groups and schools spanning five decades from five Arab cities: the Contemporary Art Group in Cairo (1940s/1950s), the Baghdad Group for Modern Art (1950s), the Casablanca School of Art (1960s/70s), The Khartoum School (1960s/70s), and dār al-funūn al-sa’udiah (The House of Saudi Arts) in Riyadh (1980s). Curated by Sam Bardaouil and Till Fellrath, the exhibition derives its title from the 1951 founding manifesto of the Baghdad Group for Modern Art, reflecting these groups’ passionate contributions to the intellectual and artistic discourse surrounding modernism within their respective socio-political contexts.

Modern Symposium

Returning for its 2nd edition in 2018, Art Dubai’s Modern Symposium is a series of talks and presentations focused on the life, work and cultural impact of 20th century masters from the Middle East, South Asia and Africa. Renowned curators, scholars and patrons come together for a series of talks that delve into the styles, influences and practices of artists whose work contributes to the history of art produced in the 20th century. The Art Dubai Modern Symposium will take place in the Misk Lounge. =

The Sheikha Manal Little Artists Program

The 6th edition of the Sheikha Manal Little Artists Program will welcome Japanese-Australian Artist Hiromi Tango as the lead-artist, presenting her project Healing Garden, which will feature an interactive installation that invites children to participate in creating a nurturing environment based on local plants and flowers. The workshops and immersive installation will provide hands-on opportunities for children to create and explore the space that is energized through the interplay of light, colors, textures and shapes. Alongside the onsite workshops, the program will see the return of the popular Discovery Tours for children and teenagers at the fair, as well as a growing number of schools taking part in the Artists-in-Schools Initiative.

Held under the patronage of Her Highness Sheikha Manal bint Mohammed bin Rashid Al Maktoum, President of UAE Gender Balance Council, President of Dubai Women Establishment, and wife of His Highness Sheikh Mansour bin Zayed Al Nahyan, Deputy Prime Minister and Minister of Presidential Affairs UAE, the program is a partnership between The Cultural Office of Her Highness Sheikha Manal bint Mohammed bin Rashid Al Maktoum and Art Dubai, offering a unique educational opportunity for UAE-based children and teenagers, and encouraging them to excel in the arts. The program is part of Art Dubai’s longstanding commitment to education and the development of the UAE’s cultural landscape.

Partner Exhibitions:

Julius Baer at Art Dubai: From Pen To Thread: Des”

This exhibition by Swiss-Egyptian artist Karim Noureldin will feature two large, site-specific textile installations based on drawings made by the artist and produced in India. Widely recognised and exhibited internationally, Noureldin’s work continues his investigation into geometric abstractions.

Piaget’s Sunlight Journer

For its third showcase at Art Dubai, Piaget presents its latest high jewelry and watchmaking collection: Sunlight Journey. Inspired by the scenic beauty of the Amalfi Coast, the collection is an escapade punctuated by joyful effervescence and dazzling radiance. In collaboration with The Cultural Office of Her Highness Sheikha Manal bint Mohammed bin Rashid Al Maktoum, Piaget reveals Summer Muse by Emirati artist Jawaher Alkhayyal, inspired by Maison Piaget’s Sunny Side of Life high jewelry collection.

* * *

ART DUBAI is held in partnership with The Abraaj Group. The fair is sponsored by Julius Baer and Piaget, with Madinat Jumeirah as the home of the event. The Dubai Culture & Arts Authority (Dubai Culture) is a strategic partner of Art Dubai and supports the fair’s year-round education programme. The Misk Art Institute is the exclusive partner of Art Dubai Modern.

Source Article from http://artnovini.com/art-globe/the-world/2445-the-12th-edition-of-art-dubai-welcomes-105-galleries-from-48-countries.html

През 2017 г. приходите от световния арт пазар достигнаха 63.7 млрд. USD

Art Basel 2017 в Маями Бийч. През миналата година по време на изложби и арт изложения бяха продадени произведения на изобразителното изкуство за 15.5 млрд. USD. Credit: © Art BaselСпоред експерти, ситуацията в средния сегмент на търговията с художествени произведения ще се влошава.

ЖЕНЕВА. През 2017 г. приходите от световния пазар на изобразително изкуство са нараснали с 12% и достигнаха 63.7 млрд. USD, показват резултатите от публикувания през седмицата доклад за състоянието на глобалния арт пазар: Art Basel and UBS Global Art Market Report 2018, поръчан от мениджмънта на международното изложение Art Basel и от швейцарската банка USB.


Ръстът на световния арт пазар идва след две години на спад, но този възход не успя да надхвърли рекордните приходи от над 68 млрд. USD, които бяха отчетени през 2014 г., както и обема от 66 млрд. USD, който беше постигнат през 2007-а, година преди началото на световната финансова криза (през 2009 г. постъпленията паднаха до 39.5 млрд. USD). Миналата година арт дилърите реализираха 53% от общите продажбите (ръст от 4%), а делът на откритите търгове, проведени от аукционните къщи, е 47%, съобщава artbasel.com.

Основната част от глобалната търговия, равняваща се на 83%, през 2017 г. отново беше съсредоточена в три страни: на първо място е САЩ с 42%, на второ е Китай с 21%, а на трето – Великобритания с 20%.

Безспорният лидер в продажбите през миналата година е картината „Спасителят на света” (Salvator Mundi; c. 1500) от ренесансовия гений Леонардо да Винчи (Leonardo da Vinci; 1452-1519), за която по време на търга „Следвоенно изкуство и съвременно изкуство” (Post-War and Contemporary Art Evening Sale), проведен на 15 ноември м.г. от Christie’s New York, купувач от Абу Даби заплати удивителната сума от 450 млн. USD. С произведението на Леонардо е свързан и един любопитен факт: ако творбата, чиято продажба в доклада е наречена „екстремална”, бъде включена в общите приходи от сегмента „Стари майстори”, то те ще отбележат ръст от 64%, но при положение, че сделката не бъде взета предвид, тогава приходите в сегмента ще отбележат спад от 11%.    

От изследването става ясно, че през последните 10 години общият дял на продажбите за и над 10 млн. USD се е увеличил със 148%, а за миналата година – със 128%. В същото време, приходите от търговията с произведения на изкуството с цена по-ниска от 1 млн. USD, през изминалото десетилетие са намалели. Авторите на доклада посочват, че значителен ръст (10%) отбелязват галериите с годишен оборот над 50 млн. USD, докато тези с приходи под 500 хил. USD отчитат спад от 4%. Според допитване, проведено сред 905 водещи арт дилъри от цял свят, ситуацията в средния сегмент на пазара на изобразително изкуство ще се влошава. Като мярка, която би могла да повлияе върху негативните тенденции, известната икономистка Клер Макендрю (Dr Clare McAndrew), основател на компанията Arts Economics и ръководител на проучването, предлага установяването на по-прозрачна ценова политика и по-ясни контракти между художниците и галериите, които ги представят. Специалистката поддържа идеята и за т.нар. „вертикална интеграция”, при която големите и по-малките галерии биха могли да си сътрудничат, че обмена на различни събития.

В доклада се отбелязва, че 101 души от Топ 200 на най-големите колекционери на изобразително изкуство в света живеят в САЩ. Във Великобритания те са 13, в Швейцария11, в Германия10, в Китай9, в страните от Близкия Изток5, в Япония - 9, и т.н.

През 2017 г. продажбите от изложби и арт изложения запазиха възходящия тренд от последните години и достигнаха 15.5 млрд. USD (ръст от 17%). Заедно с това, обаче, цената за участие в тези форуми нарасна с 15% и се превърна в най-значителния разход за галеристите - 4.6 млрд. USD. Следващото перо, което ангажира най-много от техните средства, са рекламата и маркетинга - 2.8 млрд. USD.

Source Article from http://artnovini.com/news/ot-sveta/2444-prez-2017g-prihodite-ot-svetovnia-art-pazar-dostignaha-637-mlrd-usd.html

The Keith Haring’s alphabet, or of how pictures can function just like words

The Albertina Museum in Vienna is devoting a big exhibition to Keith Haring, who would have celebrated his 60th birthday in 2018. Photo: © artnovini.comFrom 16 March to 24 June 2018 the Albertina Museum presents around 100 works to the exceptional American artist.

VIENNA. To mark would have been his 60th birthday, the Albertina is devoting a large-scale exhibition to the exceptional American artist Keith Haring (1958-1990) that includes around 100 works sourced internationally from numerous museums and private collections. The artist, who initially became known for his drawings of the crawling baby, the barking dog, and figures dancing and climbing over each other, numbers among the most celebrated artists of his time. Haring’s creative career, though short, took a truly meteoric course, and the exhibition Keith Haring. The Alphabet (16 March – 24 June 2018) retraces his wholly unique artistic development and historical significance.


The Curator Dr. Dr. Dieter Buchhart (in the middle) at the time of the press conference in the Albertina (March 15, 2018) with Julia Gruen, Executive Director at Keith Haring Foundation. Photo: © artnovini.comSymbolic Practice As Resistance

Keith Haring conceived of his artistic practice as a political statement in the public realm that took aim at the establishment, the authoritarian enforcement of order, and state repression of citizens. He consistently emphasized the creative process and the aspect of performance as well as the political, anarchic act in and of itself. Haring’s works were shown at documenta 7 (1982), at leading international museums and galleries, and at numerous biennials all over the world, and his impact on his contemporaries as well as subsequent generations of artists has been both enormous and lasting.

Keith Haring, ‘Untitled (Self-Portrait)’, 1985. Udo and Annette Brandhorst Collection, Munich © The Keith Haring Foundation. Photo: artnovini.com  Messages of Social Justice

Keith Haring’s drawings, paintings, and sculptures embody messages that take a stand against the violence of ruling elites, against the oppression of minorities, against prejudice, and against barbarism. His themes thus repeatedly revolve around justice and change. His notion of art is an egalitarian one: Keith Haring’s oeuvre draws on the creative principles of graffiti as well as on semiotics and the art-historical canon. With his deceptively simple stick- figures – embodying deliberately primitive codes – he is part of that process by which low art is transformed into high art, such as with the cartoons and advertisements that found their way into museums via the Pop Art movement. Haring never conceived of art as propaganda, yet he did make use of similar mechanisms as well as public space in order to disseminate his art and his ideas.

‘Keith Haring. The Alphabet’ - exhibition view with 15-meter ‘The Matrix’ (1983; The Keith Haring Foundation). Photo: © artnovini.com* * *

The drawing is ‘finished’ from the time you start with the first line. There are places you can ‘stop’ the drawing and call it ‘finished’ but it is never really finished until time and space itself are ‘finished’. There are always infinitely more things you can do to the composition; the trouble is knowing when to stop. The beauty is knowing when to stop. I choose when to stop, but my work is never finished and always finished. Keith Haring

* * *

Keith Haring, Storyboards… Photo: artnovini.com / © The Keith Haring FoundationHe championed the individual, standing up to the oppression emanating from dictatorship, racism, capitalism, and drug addiction. He fought to end Apartheid in South Africa, and his dedication to the struggle against AIDS is legendary. He was also among those voices that, during the 1980s, uttered the loudest warnings about the perils of nuclear war, environmental destruction, and countless other threats to humanity and our planet.

Mickey Mouse recurs frequently in Keith Haring’s oeuvre. © The Keith Haring Foundation. Photo: © artnovini.com Development of a Symbolic Language

Despite his early and lasting success with critics and on the art market, one central aspect – which can be viewed as a primary concern of Keith Haring’s art – has to this day hardly been recognized in its true significance: the systematic symbolic language that runs through his entire oeuvre like a golden thread. Haring – whose coursework at the School of Visual Arts in New York had also included semiotics – developed his symbolic vocabulary and its alphabet based on a keen awareness of how pictures can function just like words. His famous drawings in stations of the New York subway system played an important role in this development: „It sort of became the perfect environment or laboratory for working out all of the ideas that I was discovering,” said the artist. The ultimate outcome of this was Haring’s development of his very own artistic vocabulary. Quite early on, Keith Haring was impressed by the hieroglyphic writing of the ancient Egyptians. What interested him was how they were reduced to just a few lines, a principal that he adopted in his own work. In doing so, he evolved the abstract shapes of his early drawings into his very own language of symbols. This gave rise to his characteristic symbols including the baby, the human being, the dog, the golden calf, the heart, the snake, the pig, the nuclear reactor, the pyramid, the radio, the UFO, sexual intercourse, and much more besides. He „activated” the silhouettes of living beings and objects by drawing radiant halos around them.  More – Page 2

Source Article from http://artnovini.com/art-globe/the-world/2443-the-keith-harings-alphabet-or-of-how-pictures-can-function-just-like-words.html

Започва юбилейният десети Фестивал на българското кино в Прага

Плакатът на Фестивала на българския филм в чешката столица. Снимка: © Български културен институт в ПрагаОт 15 до 22 март форумът ще представи десет от най-награждаваните, стойностни и харесвани игрални филми от нашата кинематография.

ПРАГА. Юбилейното 10-то издание на Фестивала на българското кино (10. ročník Festivalu bulharských filmů), ще бъде проведено от 15 до 22 март в чешката столица, а негови организатори са Посолството на Република България в Чехия и Българският културен институт (Bulharský kulturní institut v Praze). Съорганизатори на форума са Националният филмов център и пражките кина „Луцерна” (Lucerna) и „Пилоту” (Pilotů), с подкрепата на туристическа агенция „Александрия” и в партньорство с разпространителската компания Film Europe, съобщиха от културния ни институт в Прага.


Отляво на дясно: кадри от филмите „Вездесъщият”, „Извън пътя”, „Събирач на трупове”, „Възвишение” и „Маймуна”. Снимки: БКИ - ПрагаДесетото издание на фестивала (официалният трейлър можете да видите на този линк) ще представи десет от най-награждаваните, стойностни и харесвани игрални филми от съвременната българска кинематография. Програмата предвижда и срещи на публиката с талантливите и именити режисьори Николай Волев, Илиян Джевелеков и Виктор Божинов, със сценариста Матей Константинов, с продуцента Георги Димитров, както и с един от най-обичаните български актьори – Филип Аврамов.

Наред с английските титри, Българският културен институт в Прага осигури превода и субтитрирането на чешки език на всички заглавия, които ще участват в традиционния вече празник на съвременното ни кино.

Отляво на дясно: кадри от филмите „Лили Рибката”, „Живи легенди”, „Урок”, „Летовници”  и „Слава”. Снимки: БКИ - ПрагаЧаст от съпътстващата фестивала програма ще бъде и изложбата „Автори и плакати. 100 години българско кино” (Autoři a plakáty – 100 let bulharského filmu), която е организирана в партньорство с Националния филмов център и „Студио Плакат 1”. В пражката галерия „Шестка” от 9 до 30 март посетителите ще могат да видят колекция от над 60 авторски постера, илюстриращи емблематични за българското кино заглавия – от неговото зараждане през 1915 г. до днес. Сред експонатите киноманите ще могат да видят плакати на филмови класики като „Хитър Петър и Настрадин Ходжа отраци” (1939) на режисьора Александър Вазов (1900-1972), „Любимец 13” (1958) на Владимир Янчев (1930-1992), „Двойникът” (1980) на Николай Волев, „Всичко е любов” (1979) на Борислав Шаралиев (1922-2002), и др. Колекцията представлява безценна хроника на развитието на родната ни кинематография и същевременно акцентира върху традициите и тенденциите в българския графичен и рекламен дизайн.

Десетият Фестивал на българското кино в Прага е ще се проведе под патронажа на министерствата на културата на Чешката република и на Република България.

* * *

ПРОГРАМА

15 март, четвъртък, 18:30 ч., кино „Луцерна”:
Официално откриване с „Вездесъщият”, носител на пет награди „Златна роза” 2017.
Гости: Илиян Джевелеков, Матей Константинов, Георги Димитров.

16 март, петък, 18:00 ч., кино „Луцерна”:
Зрителите ще се срещнат Николай Волев, един от най-големите режисьори в българското кино, и неговият най-нов филм „Извън пътя”.
Гост: Николай Волев

16 март, петък, 20:45 ч., кино „Луцерна”:
Прожекция на черната комедия „Събирач на трупове” на режисьора Димитър Димитров.

17 март, събота, 17:30 ч., кино „Луцерна”:
Представяне на филмовия хит „Възвишение” – екранизация по едноименния бестселър на писателя Милен Русков.
Гости: Виктор Божинов, Филип Аврамов.

17 март, събота, 20:45 ч., кино „Луцерна”:
Филмът „Маймуна” на Димитър Коцев-Шошо няма да остави зрителите безразлични.

18 март, неделя, 18:30 ч., кино „Луцерна” (малък салон):
Фестивалната публика ще се наслади на вълшебната история „Лили Рибката”, режисирана от Ясен Григоров.

От 19 март, понеделник, Фестивалът на българското кино ще продължи в салоните на кино „Пилоту”, където зрителите отново ще имат възможност да гледат четири от филмите, прожектирани в предишни издания на фестивала.

19 март, 18:30 часа, кино „Пилоту”:
„Живи легенди”
– жизнеутвърждаваща комедия на режисьора Ники Илиев.

20 март, вторник, 18:30 часа, кино „Пилоту”:
„Урок” – най-награждаваният български игрален филм на режисьорския тандем Кристина Грозева и Петър Вълчанов.

21 март, сряда, 18:30 часа, кино „Пилоту”:
киноманите отново ще се заредят с добро настроение с българската комедия „Летовници” на режисьора Ивайло Пенчев.

22 март, четвъртък, 18:30 часа, кино „Пилоту”:
„Слава” – покъртителната история на железничаря Цанко, разказана ни чрез езика на киното от Кристина Грозева и Петър Вълчанов.

Source Article from http://artnovini.com/art-mix/kino/2442-zapochva-desetiat-festival-na-bulgarskoto-kino-v-praga.html

Агенти под прикритие на ФБР разбиха схема за пране на пари чрез картина на Пабло Пикасо

Творбите на испанския художник Пабло Пикасо продължават да бъдат сред най-предпочитаните инвестиции в изобразително изкуство. Снимка: artnovini.comОбвинени са десет души и компании, свързани с измама за 50 млн. USD.

ЛОНДОН. Американските власти повдигнаха обвинения срещу британския арт дилър Матю Грийн (Matthew Green), че е използвал картина на Пабло Пикасо (Pablo Picasso; 1881-1973), за да помогне при изпирането на 9.2 млн. USD, съобщи платформата artnet NEWS, като се позовава на източник от Министерството на правосъдието на САЩ. Следователите твърдят, че предполагаемата продажба на творба на Пикасо е свързана с измама, чиято обща стойност достига 50 млн. USD.


Матю Грийн (син на известен лондонски арт дилър), който е работил за Richard Green Gallery и – доскоро – за Mayfair Fine Art, е един от десетте души и компании, посочени в 29-странчиния обвинителен акт. Участниците в престъпната схема били разкрити от агенти на ФБР и са обвинени в нарушения на законите на страната, според които всеки гражданин трябва да декларира пред Данъчната служба на страната (IRS) приходите си от търговска дейност чрез офшорни компании.

Обвинителните актове са резултат от работата на няколко агенти под прикритие, които записвали разговорите си с обвиняемите относно предполагаеми финансови манипулации на арт пазара, включващи пране на пари, фалшифициране на идентификационните номера на различни офшорни сметки и т.н. Многогодишната сложна схема включвала и предполагаема покупка на картина на Пикасо.

Двама от обвиняемите – инвестиционният мениджър на Beaufort Securities Питър Кириаку (Peter Kyriacou) и неговият чичо Аристос Аристодему (Aristos Aristodemou), предложили на агент на ФБР под прикритие, да узакони приходите си от престъпни сделки на арт пазара. Според Аристодему, търговията с изкуство е „единственият нерегулиран пазар”, а изкуството е изгодна инвестиция заради възможността за „пране на пари”.

Тримата обвиняеми потвърдили, че са предложили на агента под прикритие да купи от Грийн картината „Персонажи” (Personnages), нарисувана от Пикасо през 1965 г. След срещата им, те подготвили документите за покупката, но незаконната схема била спряна преди да бъде прехвърлена собствеността на творбата, допълва медията.

За последен път „Персонажи” е предлагана на публичен търг (с естимейт 4-7 млн. USD) от Christie’s London през 2010 г., но не е била откупена. Според неназован източник, днес платното е се намира в музей в Дания, който я взел под наем.

Source Article from http://artnovini.com/news/ot-sveta/2441-agenti-pod-prkrietie-na-fbr-razbiha-shema-za-prane-na-pari-chrez-kartina-na-picasso.html

Pablo Picasso’s Love, Fame and Tragedy from 1932 in Tate Modern

‘Picasso 1932 - Love, Fame, Tragedy’ - Exhibition view. Photo: © Tate Photography- The Exhibition presents more than 100 outstanding paintings, sculptures and works on paper.

- The paintings ‘Nude, Green Leaves and Bust’, ‘Nude in a Black Armchair’ and ‘The Mirror’ is reunited at the gallery for the first time in 86 years.

LONDON. Love, Fame, Tragedy… 45 years after the artist’s death, Tate Modern stages its first ever solo exhibition of Pablo Picasso’s work, one of the most ambitious shows in the museum’s history. The EY Exhibition: Picasso 1932 – Love, Fame, Tragedy (until 9 September 2018) takes visitors on a month-by-month journey through 1932, a time so pivotal in Picasso’s life and work that it has been called his ‘year of wonders’. More than 100 outstanding paintings, sculptures and works on paper demonstrate his prolific and restlessly inventive character, stripping away common myths to reveal the man and the artist in his full complexity and richness, announced Tate Modern.


Cecil Beaton (1904-1980), ‘Pablo Picasso, rue La Boétie’, 1933, Paris. Photo: © The Cecil Beaton Studio Archive at Sotheby's1932 was an extraordinary year

for Pablo Picasso (1881-1973), even by his own standards. His paintings reached a new level of sensuality and he cemented his celebrity status as one of the most influential artists of the 20th century. Over the course of this year he created some of his best loved works, including Nude Woman in a Red Armchair, an anchor point of Tate’s collection, confident colour-saturated portraits and Surrealist experiments, including 13 seminal ink drawings of the Crucifixion. His virtuoso paintings also riffed on the voluptuous sculptures he had produced some months before at his new country estate.

In his personal life, throughout 1932 Picasso kept a delicate balance between tending to his wife Olga Picasso (nee Khokhlova; 1891-1955) and their 11-year-old son Paulo, and his passionate relationship with Marie-Thérèse Walter. Olga married Picasso on July 12, 1918, at the Russian Orthodox Cathedral at the Rue Daru. Jean Cocteau (1889-1963) and Max Jacob (1876-1944) were witnesses to the marriage. The exhibition brings these complex artistic and personal dynamics to life with an unprecedented range of loans from collections around the world, including the Musée national Picasso-Paris and major international museums, as well as many works held in private hands. Highlights include Girl before a Mirror, a signature painting that rarely leaves The Museum of Modern Art, and the legendary The Dream, a colour-saturated rendering of Walter in dreamy abandon which has never been exhibited in the UK before.

(L-R) ‘Nude, Green Leaves and Bust’ (1932), ‘Nude in a Black Armchair’ (1932) and ‘The Mirror’ (1932) - this dazzling group is reunited at Tate Modern for the first time in 86 years. Photos: Private Collection © Succession Picasso/DACS London, 2018 I Private Collection, USA © Succession Picasso/DACS London, 2018 I Private Collection © Succession Picasso/DACS London, 20181932 was a time of both
reflection and rejuvenation

Having recently turned 50, in collaboration with Christian Zervos (1889-1970), Picasso embarked on the first volume of what remains the most ambitious catalogue of an artist’s work ever made, listing more than 16,000 paintings and drawings. Meanwhile, a group of Paris dealers beat international competition to stage the first ever retrospective of his work, a major show that featured new paintings alongside earlier works in a range of different styles. Realist portraits of Olga and Paulo Picasso (1921-1975) from a decade earlier revealed the artist’s pride in and tender feelings for his family, while the first public showing of his most recent paintings inspired by Walter made public what had previously been a well-kept secret affair. The paintings from March including Nude, Green Leaves and Bust, Nude in a Black Armchair and The Mirror were immediately recognised as a pinnacle of Picasso’s artistic achievement of the inter-War period. This dazzling group is reunited at Tate Modern for the first time in 86 years.

Pablo Picasso, ‘Portrait of Olga in an Armchair’ (Portrait d'olga dans un fauteuil), 1918. Oil paint on canvas, 130 x 88,8 cm. Musée National Picasso. Photo: © Succession Picasso/DACS London, 2018Picasso’s split existence
between his homes and studios

in Boisgeloup in Normandy and central Paris capture the contradictions of his life at this pivotal moment: divided between countryside retreat and urban bustle, established wife and recent lover, painting and sculpture, sensuality and darkness. The year ended traumatically when Walter fell seriously ill after swimming in the river Marne, losing most of her iconic blonde hair. In his final works of the year, Picasso transformed the event into scenes of rescue and rape, creating at the same time an analogy for the thunderclouds gathering over Europe: from the crisis of the Great Depression and mass unemployment, to the rise of Fascism including in his native Spain. The result is a dramatic finale to a year of love, fame and tragedy that pushed Picasso to the height of his creative powers.

Achim Borchardt-Hume, Director of Exhibitions, Tate Modern, and co-curator of the exhibition said: Picasso famously described painting as “just another form of keeping a diary”. This exhibition invites you to get close to the artist, to his ways of thinking and working, and to the tribulations of his personal life at a pivotal moment in his career. Visitors will be able to walk through 12 months of Picasso’s life and creative decision-making, to see many of his most ground-breaking and best-loved works in a surprising new light.

Pablo Picasso, ‘The Crucifixion’ (La crucifixion), 1932; Ink on paper, 34,5 x 50,5 cm. Musée National Picasso. Photo: © Succession Picasso/DACS London, 2018Nancy Ireson, Curator of International Art, Tate, and co-curator of the exhibition said: We are thrilled to be reuniting some of Picasso’s greatest works of art for the first time in 86 years, many of which are rarely shown in public. Displaying them in the order in which they were made demonstrates just how intensely creative 1932 was for Picasso, revealing his explosive energy to a new generation.

The EY Exhibition: Picasso 1932 - Love, Fame, Tragedy is curated by Achim Borchardt-Hume, Director of Exhibitions, and Nancy Ireson, Curator, International Art, with Assistant Curators Juliette Rizzi and Laura Bruni. The exhibition is organised in collaboration with the Musée national Picasso-Paris, where it was curated by Laurence Madeline with Virginie Perdrisot-Cassan, Curator of Sculpture and Ceramics.

Source Article from http://artnovini.com/art-globe/the-world/2440-pablo-picassos-love-fame-and-tragedy-from-1932-in-tate-modern.html

Културният ни институт в Прага представя изложба на млади български графици

Галина Тодорова (в средата), директор на Българския културен институт в Прага приветства българските графици и гостите на вернисажа на изложбата „ГрафикАрт”. Снимка: © БКИ - ПрагаЕкспозицията „ГрафикАрт” може
да бъде разгледана
в галерията
на „Климентска” 6
до 6 април т.г.

ПРАГА. През миналата седмица изложбата „ГрафикАрт” (GrafikArt) беше представена за първи път извън пределите на страната ни и до 6 април ще е на разположение на ценителите в галерията на Българския културен институт в Прага (Bulharský kulturní institut; Klimentská 6, Praha 1). Експозицията включва селектирани произведения на наградени и номинирани автори от Националния конкурс за класически графични техники, чието дебютно издание беше проведено в края на 2017 г. със съдействието на Министерството на културата. Основен инициатор и организатор на конкурса е художникът Людмил Георгиев, чието творчество беше представено в института през септември миналата година.


Творби на Иван Матеев (вляво) и Зоран Мише. Снимки: БКИ - ПрагаИзложбата „ГрафикАрт” беше открита от българския посланик в Чешката република Н.Пр. Лъчезар Петков, Галина Тодорова – директор на БКИ в Прага, и куратора на изложбата Людмил Георгиев (Ljudmil Georgiev). На вернисажа присъстваха петима от шестимата селектирани графици: призьорите Иван Матеев (Ivan Mateev) и Зоран Мише (Zoran Miše), както и поощрените участници Павел Целкоски (Pavel Celkovski), Васил Ангелов (Vasil Angelov) и Калоян Илиев-Кокимото (Kalojan Iliev-Kokimoto). Заедно с техните творби, в чешката столица са изложени и графики на Васил Колев-Vasillo (Vasil Kolev-Vasillo), който е носител на трета награда.

„Един от основните акценти на председателството на България на Съвета на Европейския съюз е представянето на креативните и можещи млади хора. Щастлив съм, че именно в този период в Прага можем да се запознаем с изкуството на тези шестима млади, но много талантливи и способни български графици, които несъмнено имат бляскаво бъдеще. Това не само осмисля посланията, които България отправя по време на своето европейско председателство, но и е важна крачка към приобщаването на съвременното ни изкуство към общоевропейското”, сподели при откриването посланик Лъчезар Петков.

Графики на Васил Ангелов (вляво) и Калоян Илиев-Кокимото. Снимки: БКИ - Прага„Когато представяме съвременна българска графика няма как да не обърнем поглед назад. Тогава, преди повече от столетие, чехът Йозеф Питер поставя в България началото на родната ни печатна графика. Този изкусен майстор, представен с изложба и каталог в Българския културен институт през 2015 г., не само залага основите, но за десетилетие вдига високо нивото на графичното изкуство в България. Днес за нас е чест и гордост, че век по-късно Питер има своите достойни български последователи от младото поколение в родното изобразително изкуство”, допълни Галина Тодорова.

С първото издание на Националния конкурс за класически графични техники художникът Людмил Георгиев успя да провокира, стимулира и вдъхнови 28 автори до 40-годишна възраст от цялата страна да разкрият своя талант в една, колкото консервативна, толкова и позволяваща разчупване на канона техника в изобразителното изкуство.

Произведения на Васил Колев-Vasillo (горе) и Павел Целковски. Снимки: БКИ - Прага„Заедно с останалите членове на журито разглеждахме изпратените за конкурса творби и бяхме поразени от смелостта и зрелостта на голяма част от техните автори. Конкуренцията беше на изключително ниво и всички се радваме, че българската графика не само продължава своя път на развитие, но и по подобаващ начин представя страната ни извън пределите на страната ни. След първото издание на конкурса съм сигурен, че, благодарение на тези млади хора, съвременната българска графика тепърва ще жъне още много успехи”, с тези думи Людмил Георгиев резюмира основната идея на конкурса и изрази увереност, че графиките, изложени в Прага, ще очароват всеки, посетил изложбата.

Творбите на шестимата български графици дълбоко впечатляват не само с прецизното използване на широка палитра от техники, но и със своя артистизъм, провокативност, въображение, реализъм, абстракция, фантазност, поставяне на злободневни въпроси и търсене на общочовешки теми.

От името на шестимата представени в Прага художници към гостите се обърна най-възрастният от тях – 38-годишният провокативен автор Калоян Илиев-Кокимото: „И шестимата, до чието творчество се докосвате днес, имаме академично образование по изобразително изкуство. Но нас най-вече ни свързва любовта към едно колкото трудоемко, толкова и красиво изкуство, каквото е графичното. Благодарение на Националния конкурс за класически графични техники се убедих, че към графиката в България има подчертан интерес сред по-младото поколение. И този интерес е подплатен с оригинални идеи, майсторски пресъздадени от големи таланти”.

Снимка: © БКИ - ПрагаМладите български графици не скриха задоволството си, че имат възможност да представят своето творчество именно в Чехия, където графичното изкуство е на особена почит. Големите качества, които притежават, не останаха скрити за редица присъстващи на откриването на изложбата. Високата си оценка за изложените рисунки дадоха Борис Бранков, един от доайените на българската графика, който от години живее и работи в чешката столица, и Михал Поспишил, бивш директор на Чешкия център в София.

„Изложбата е изключително приятна изненада – съвременната българска графика ми въздейства много по-живо и емоционално, отколкото чешката”, лаконично и откровено сподели впечатленията си от „ГрафикАрт” и известната журналистка от Прага Олга Коничкова.

Освен на чешки и български художници и местни журналисти откриването на изложбата привлече вниманието на дипломати, представители на различни сфери от обществения живот в Чехия, на галеристи, естети, както и на много почитатели на съвременното българско изобразително изкуство. За добрата атмосфера допринесоха и музикалните изпълнения на младите музиканти Каролина Дворжакова (саксофон), Франтишка Новотна и Владимир Йелинек (пиано) от Музикалното училище „У Пуйчовни” в Прага.

Source Article from http://artnovini.com/news/ot-sveta/2439-kulturniat-ni-institut-v-praga-predstavia-izlogba-na-mladi-bulgarski-grafici.html

Албрехт Дюрер и Ренесанса – между Германия и Италия, в Палацо Реале

Основен акцент в ретроспективата на германския художник Албрехт Дюрер в Палацо Реале в Милано е очарователният „Портрет на млада венецианка” (фрагмент) от 1505 г. Снимка: Kunsthistorisches Museum WienГрандиозната изложба представя около 130 великолепни творби на художника и на негови съвременници.

МИЛАНО. Голяма ретроспектива на великия германски художник Албрехт Дюрер (Albrecht Dürer; 1471-1528) представя до 24 юни 2018 г. прочутият Кралски дворец в Милано – Палацо Реале (Palazzo Reale). Експозицията със заглавие „Дюрер и Ренесанса. Между Германия и Италия” (Dürer e il Rinascimento tra Germania e Italia) включва около 130 произведения от различни световни колекции, сред които са 12 живописни картини от самия Дюрер, 3 негови акварела и около 60 рисунки, гравюри, книги и ръкописи, създадени по време и след двете му пътувания до Италия: през есента на 1494 г. и през 1505 г. Тези творби разкриват новаторския характер на неговото изкуство му както от техническа гледна точка, така и в семантичен и иконографски аспект, казват от музея.


Изложбата в Палацо Реале прави забележителен паралел между произведенията на сънародниците му Лукас Кранах Старши (Lucas Cranach der Aeltere; 1472-1553), Албрехт Алтдорфер (Albrecht Altdorfer; c.1480-1538), Мартин Шонгауер (Martin Schongauer; c.1445-1491), Ханс Балдунг Грюн (Hans Baldung Grien or Grün; c. 1484-1545) и Ханс Бургкмайр Старши (Hans Burgkmair the Elder; 1473-1531) с тези на художници като Тициан (Tiziano Vecellio; 1488/90-1576), Джорджоне (Giorgione; 1477/8-1510), Андреа Мантеня (Andrea Mantegna; 1430/1-1506), Леонардо да Винчи (Leonardo da Vinci; 1452-1519), Джовани Белини (Giovanni Bellini; (c.1430-1516) и Андреа Соларио (Andrea Solario; 1460-1524), които по същото време работят в Милано и Венеция и чиито произведения разкриват неочаквани и интригуващи нюанси в творчеството на Дюрер.

„Поклонение на влъхвите” (1504) - един от шедьоврите на Дюрер и на Северния Ренесанс. Снимка: Galleria degli UffiziЧрез съпоставянето на тяхното творчество, кураторите на изложбата Бернард Аикема (Bernard Aikema) и Ендрю Джон Мартин (Andrew John Martin) подчертават по великолепен начин

характерните различия
между северния и южния Ренесанс:

реализъм срещу идеализъм, внушителното с размерите си готическо повествование срещу класическата грациозност, графичната монохромна традиция срещу богата на цветове палитра, написа artchive.ru. Своеобразна метафора по тази тема е и възклицанието на Албрехт Дюрер, когато напуска Италия и се връща в родния си Нюрнберг през 1506 г.: „О, как ще мръзна след слънцето!..”

Основен акцент в изложбата е емблематичният и чувствен „Портрет на млада венецианка” (Brustbild einer jungen Venezianerin), който художникът завършва през 1505 г., а днес е част от впечатляващата колекция на Музея за история на изкуството във Виена (Kunsthistorisches Museum Wien). Според някои арт експерти, в тази картина ясно се забелязва сходство с венецианския маниер на живописване на Джовани Белини, особено в безметежната игра на светлосенките. Белини, когото германецът казва, че макар „и най-старият, все още е най-добрият от венецианските художници…”.

Поставяйки творбите на Дюрер сред работите на негови италиански и германски съвременници – от загадъчния „Свети Йероним в пустинята” (St. Jerome in the Wilderness; 1480) на Леонардо да Винчи до изящните тела на „Адама и Ева” (Adam und Eva; 1533) на Лукас Кранах Старши, кураторите на изложбата показват, как уникалния синтез между северното и южното влияние превръща Дюрер в най-великия от всички германски художници.

Завърнал се в родината си, той се прославя благодарение на своята най-мащабна творба – серията от 18 гравюри „Апокалипсис” (Apokalypse), по която работи от 1496 г. до 1498 г. В залите на Палацо Реале тази поредица е представена заедно динамичните „Битка на Тритоните и Нереидите” (Battle of the Sea Gods; 1475-1488) и с фрагмент от „Триумфът на Цезар” (Triumph of Caesar; c. 1486) от Мантеня. Те отразяват влиянието на куатроченто върху стила на Дюрер и разбирането му за живописното пространство.

Според някои историци на изкуството, в изображението на конника от гравюрата „Рицар, Смърт и Дявол” (1513) личи италианското влияние върху германския художник. Снимка: artnovini.com„Италианската следа” е видима

в героичния конник от гравюрата „Рицар, Смърт и Дявол” (Ritter, Tod und Teufel; 1513), а венецианското сияние може да бъде открито дори и в монохромния ангел от знаменитата „Меланхолия I (Melencolia I; 1514).

Преди своето второ пътуване до Италия през 1505 г. Аблрехт Дюрер рисува прекрасното „Поклонение на влъхвите” (Anbetung der Könige; 1504) – днес в галерия „Уфици” (Galleria degli Uffizi) във Флоренция. Разположена сред живописни руини, Дева Мария приема от тримата царе щедри златни дарове (художникът е син на златар), а в същото време зрителят усеща с всичките си сетива прозрачността на въздуха, трептящите крила на пеперудите върху дървеното мелнично колело и топлият дъх на вола в обора… Това задпрестолно олтарно изображение (върху дърво) е идеален образец на афинитета на северните художници към детайла и към пресъздаването на характерната северна атмосфера…    

Две години по-късно Дюрер завършва своята най-важна „венецианска” картина – „Празникът на венците от рози” (Das Rosenkranzfest; 1506). След като творбата била готова, художникът казал: „Винаги съм искал да замълчат тези, които говорят, че съм добър в гравюрата, но не умея да работя с цветове. Сега всички казват, че никога не са виждали по-красиви цветове.” Днес, оригиналната творба, чиято основа е изключително крехка и не напуска своя „дом” – Националната галерия в Прага (National Gallery in Prague), е представена с великолепно копие от началото на XVII в. Редом с този шедьовър е експонирано и задпрестолното изображение от Белини „Мадона с младенеца и дожа Барбариго” (Barbarigo Altarpiece; 1488), което е ясна илюстрация на влиянието на венецианската живопис върху работата на Дюрер.    

Картината „Празникът на венците от рози” (1506) е смятана за най-значимото произведение от венецианския период на Дюрер. Снимка: Národní galerie v PrazeВърху олтарната картина „Празникът на венците от рози” Дева Мария, седяща на трона в сини одежди, е обърната към император Максимилиан I (Kaiser Maximilian I; 1459-1519), наметнат с червен плащ. От другата ѝ страна, в златно облекло, символизиращ светската и религиозната власт, е коленичил Римският папа, а ангелът, свирещ на лютня, е заимстван напълно от Белини. Сред останалите знатни личности около главните герои, в лявата част на композицията Дюрер е изобразил и себе си. Художникът, който може да бъде лесно разпознат по дългите златисти къдрици и брадата, гледа право в зрителя и държи лист с текст, от който става ясно, че работата по картина му е отнела пет месеца…

Времето за рисуване, необходимо на художника за завършването на друга творба, е обозначено и върху още една картина – „Христос сред учителите” (Christus unter den Schriftgelehrten; 1506), от колекцията на мадридския Музей „Тисен-Борнемиса” (Museo Nacional Thyssen-Bornemisza). Върху листче, разделящо страниците на книга, заедно със своя монограм, художникът е изписал, че е нарисувал произведението за пет дни. Най-живият детайл в тази творба са изящните движения на пръстите младия Христос, контрастиращи с изкривените възлести ръце на възрастните лекари, а разположението на главите, сякаш моделирани от тъмния фон, отразяват точно влиянието на италианското изкуство в Европа през XVI в. Освен това един от фрагментите съдържа явна препратка към рисунката „Пет гротескни глави” (Study of five grotesque heads; c.1494) от Леонардо, а друг – към картината на Лоренцо Лото (Lorenzo Lotto (c.1480-1556/57) „Мадоната с младенеца между свети Флавиан Антиохскийски и Онуфрий” (Madonna with Child between Sts. Flavian and Onuphrius; 1506) от колекцията на Галерия „Боргезе” (Galleria Borghese) в Рим…

За Албрехт Дюрер се знае, че никога не се е стремил към съперничество с италианските си колеги, но като обединява монументалността на Високия Ренесанс (Cinquecento) с феномена на германския натурализъм, той оказва голямо влияние върху развитието на изобразителното изкуство в цяла Европа.

За да бъде подчертана индивидуалността на гениалността, силата на местните традиции и безграничните възможности за културен обмен, в изложбата „Дюрер и Ренесанса. Между Германия и Италия” в Палацо Реале са показани още и произведения на трима от най-големите майстори от епохата на барока: Рубенс (Pieter Paul Rubens; 1577-1640), Рембранд (Rembrandt van Rijn; 1606-1669) и Караваджо (Michelangelo Merisi da Caravaggio; 1571-1610).

Една от емблематичните за Албрехт Дюрер гравюри -  „Меланхолия I” (1514). Снимка: artnovini.com* * *

АЛБРЕХТ ДЮРЕР е роден на 21 май 1471 в Нюрнберг, в пределите на Свещената Римска империя, в семейството на унгарски златар и бижутер. Дюрер е един от най-големите германски художници, математик и изкуствовед. Още в началото на своята кариера става всепризнат майстор на гравюрата върху дърво, а днес е смятан и за най-видния художник на Северния Ренесанс. Най-известните му графични творби са графичната серия „Апокалипсис”, „Рицар, Смърт и Дявол”, „Меланхолия I” и „Свети Йероним” (Der heilige Hieronymus im Gehäus; 1514); сред акварелните му образци всепризнати шедьоври са „Малък заек” (Feldhase; 1502) и „Голям къс трева” (Das große Rasenstück;,1503), а в живописта сред най-значимите му картини са „Портрет на император Максимилиан I” (Kaiser Maximilian I; 1519), „Портрет на Йоханес Клебергер” (Bildnis Johannes Kleberger; 1526), „Портрет на Якоб Фугер” (Jakob Fugger der Reiche; 1516-1519) и, разбира се, изключителните „Автопортрет с пейзаж” (Selbstbildnis mit Landschaft; 1498) и „Автопротрет” (Selbstbildnis im Pelzrock) от 1500 г.

Великият германски художник Албрехт Дюрер напуска този свят на 6 април 1528 г. в родния си град, а през 2018 г. светът на изкуството отбелязва 490 години от неговата кончина.

Source Article from http://artnovini.com/news/ot-sveta/2438-albrecht-duerer-i-renesansa-megdu-germania-i-italia-v-palazzo-reale.html