Архив на: admin

Скулпторът Ивайло Савов и художничката Хелен Зака подредиха грандиозна изложба в галерия „Финес”

Скулпторът Ивайло Савов и художничката Хелен Зака подредиха първата си самостоятелна изложба в столичната галерия „Финес”. Снимка: © Захари Попов - В първата си съвместна изява най-новият български арт тандем показва повече от 100 творби.
– Експозицията е на разположение на ценителите на изящното изкуство до 11 май т.г.

СОФИЯ/ВИЕНА. В галерия „Финес” вече е експонирана първата съвместна изложба на световноизвестния български скулптор Ивайло Савов (Ivaylo Savov) и на неговата вдъхновителка в изкуството и спътник в живота Хелен Зака (Helen Zacha), която дебютира с колекция от монотипии. Вернисажът на изложбата, представяща около 100 великолепни творби, създадени от най-новия български арт тандем, е на 25 април, сряда, от 19.00 ч. в салона на ул. „Христо Белчев” 17, ет. 1.


„Композиция със синьо каре” е една от около 50-те монотипии, които Хелен Зака показва в дебютната си изложба. Художник: © Хелен ЗакаТази изложба беше… неизбежна. Когато през лятото на 2016 г. видях за първи път монотипиите на Хелен Зака (артистичен псевдоним на Елена Захариева), от една страна бях изненадан от мащабното избухване на нейната творческа енергия, а от друга – предвид колосалното натрупване на „вдъхновение” – този неин артистичен взрив (мисля, че по-подходяща дума няма) беше напълно логичен. Неочаквана, обаче, се оказа посоката – едва ли някога ще изчезне от съзнанието (и от подсъзнанието) ми онази нейна изумително красива бронзова пластика на легнала жена, четяща книга… Но нали именно изненадата е енигматичното усещане, което превръща Изкуството в неповторимо и уникално преживяване, предизвикателно пътешествие из terra incognita на вълненията, копненията, мечтанията… А тази автентичност, въплътена в творбите на Хелен Зака чрез техниката на монотипията (екземпляр: единствен), е красноречива метафора на уникалността (физическа и духовна) и на самия живот, на нас самите и на чувствата ни…

Изглед от изложбата. Композицията „Ной превръща наказанието в спасение” - най-новата творба на Ивайло Савов, заедно със серията „Дървета” на Хелен Зака. Снимка: © Захари ПоповДа, тази изложба беше неизбежна и беше въпрос на време… За две години, през които художничката извървя (всекидневно) творчески път, лъкатушещ сред възторзи, съмнения, може би – разочарования, но творчески път с ясен хоризонт, тази изложба се превърна в неизбежност, защото е съдбовна и за двамата автори. Защото нейните картини са проекция на необозримо широка култура и на задълбочени познания в областта на изкуството (авторката е завършила художествена академия в Париж и специалност „Френска филология” в СУ „Св. Климент Охридски”), чиито потенциал намери най-вярното свое изражение – натрупаната „критична маса” генерира творческа сила, достатъчна да даде началото на една нова (лична) художествена вселена…

Двамата артисти показват в галерия „Финес” повече от 100 творби. Снимка: © Захари Попов„Вдъхновена от моя спътник в живота, показвам най-новите си картини, създадени през последните две години”, споделя Хелен Зака. „Казвам създадени, а не нарисувани, защото техниката, която използвам е монотипия, т.е. отпечатък. Харесва ми да полагам боите върху различни повърхности и да търся ефекта от съприкосновението им с моите мисли. Резултатът е почти мигновен и когато повдигна листа хартия, рисунката вече е там. Малко като трепетно отваряне на подарък, резултатът е очакван, но винаги изненадващ.

Моите картини са на границата между фигуративното и абстрактното. Предпочела съм един по-интуитивен подход, отколкото строго построената форма. Оставих подсъзнанието да ръководи ръката ми. Една от моите теми са въображаеми пейзажи, в които всеки може да вложи собствените си чувства и поглед. За мен особено интересно е и съчетаването и противопоставянето на две цялости, форми и цветове… Как съжителстваме като две личности, два изградени свята и как сме впримчени в собствените си мрежи. Точно затова монотипията ми допада като начин на изява…” - допълва художничката.

„Есен” - една от любимите теми на Хелен Зака са „въображаемите пейзажи”. Художник: © Хелен ЗакаОнова, което ме порази при първата ми среща с монотипиите на Хелен Зака, беше впечатляващият ѝ усет към изграждането на композицията, интерпретацията на идеите, хармониите: като цветови взаимоотношения и поетичност, и не на последно място – владеенето на материала въпреки неизбежните му „капризи”. Но най-интересно се оказа усещането ми, че някъде, в някакво свое мироздание, съм виждал нейните творби, но не буквално, а като в метафизичен сън. Déjà-vu. Една сугестивна трансформация на време и пространство (и на чувства), подвластна, навярно, на интуицията. Да, навярно, точно това е и същинското достойнство на нейната живопис – интуицията на художничката, която сякаш предусеща душевността на всеки, комуто предстои да се докосне до творбите ѝ и така нейното изкуство – чрез непреходността на вечната Красота – се превръща в необикновен ключ към себенамирането и себеопознаването… А ние трябва само да се пресегнем, да го откачим от стената и да отворим душата си…

През годините неведнъж съм писал за творческите изяви на скулптора Ивайло Савов (пълен негов „автопортрет” можете да прочетете на този линк) и едва ли сега бих могъл да кажа нещо ново. За мен той е, и ще бъде винаги, символ на висока естетика, финес, модерност, преклонение пред Красотата, благородство, впечатляваща ерудиция, култура и дълбока философска промисъл…

Клоун показва жонглиране с топка - „Ученици и учител”, бронз. Художник: © Ивайло СавовЗа неговото на творчество големият български художник и учен проф. д-р Кръстю Чоканов (1908-2009) каза преди време: „Разбрал, че изкуството не е препис от природата, като суха регистрация на факти, а лична интерпретация на света, надарен с усет за форма и движение, Ивайло Савов ни предлага серии от изненади и като сюжет, и като пластичен драматизъм…”

Но сега, с изложбата в галерия „Финес”, почитателите на изобразителното изкуство имат уникален шанс: да видят творбите скулптора, да ги почувстват и осмислят отново, но в контекста на изкуството на Хелен Зака – човекът, който е неговият perpetuum mobile, неговият вечен идол – L’Éternelle idole, но и [вече] най-близък творчески партньор…    

Според Ивайло Савов, за „процеса на създаване на изкуство от значение са три неща. Първо, артистът трябва да е безкрайно търпелив, защото изкуството не е намерение, а е художествен факт; второ – за да съществува, то, Изкуството, се нуждае преди всичко от нашата чувствителност като зрители; и трето – казал го е Кристо (Christo; 1938) - българинът от Америка: „Има още един начин да се харесва моето изкуство, като се купува”. И когато тези три неща се превърнат в едно, тогава е налице човешкото удовлетворение от добре свършената работа, независимо дали тя е продукт на спонтанно начало или на контролирана артистичност…”

Изглед от изложбата в галерия „Финес”. Снимка: © Захари ПоповИзложбата в столичната галерия „Финес” е много специална за него и за Хелен Зака, защото е първото им съвместно представяне, споделя скулпторът. „Показвам над 50 бронзови и три мраморни скулптурни композиции, създадени по различно време през годините. Някои от тях вече са представяни в самостоятелни изложби в различни галерии в Швейцария, Белгия, Австрия, Люксенбург, Германия и Франция…”

В прекрасно аранжираното пространство на галерията ценителите на изящното изкуство ще могат да видят по-ранни творби на Ивайло Савов като „Влюбени коне” (1995), „Клоунесата” (2003), „Три желания” (2003); голямоформатни композиции, сред които са „Мистерията на българските гласове” (185 х 33 х 178 см.; 2011), „Целувката” (88 х 26 х 70 см.; 2012), „Музикалното дърво” (185 х 25 х 65 см.; 2015), както и непоказваните досега „Влюбени коне” II (2015), „Цветята” (150 x 60 x 115 см.; 2016), „Доверието” (2018), „Пеещата” (2018) и „Любов” (2018).

„Доверието (той държи нея)”. Художник: © Ивайло СавовЕдин от основните акценти в изложбата е неговата най-нова скулптура „Ной превръща наказанието в спасение” (107 x 30 x 48 см.; 2018), която артистът завърши наскоро и за която разказва: „Винаги съм оприличавал резенчето от ябълка, като „лодка”. Сега направих три големи ябълки и резенчето на едната от тях е лодката на Ной, в която са любимата му жена и различни животинки. Сюжетът ни връща в Райската градина, а ябълката на познанието, заради която сме наказани с библейския потоп, в моята художествена интерпретация се явява нашето спасение. Композицията „Ной превръща наказанието в спасение” е показана в самостоятелна зала сред 7-8 с различен мащаб скулптури: „Музикалното дърво”, „черешови” и „ябълкови” дървета, още няколко бронзови „дървета”, населени с „влюбени птици”, и серия монотипии на Хелен Зака…”

Експозицията в галерия „Финес”, включва произведения от всички основни теми, по които Ивайло Савов работи през годините: клоунадата и клоуните, които едновременно са весели и тъжни, но винаги са изпълнени с надежда; човекът и природата като борба между духовното начало и природния инстинкт; митът за ликорната и чудотворната способност на еднорога да пречиства всичко, до което се докосне; жената като символ на вдъхновение и страст, и т.н. Теми, които - в пълна хармония - доразвива и на които придава ново звучене експресивно-поетичната живопис на Хелен Зака

„Моите картини са на границата между фигуративното и абстрактното”, казва за своите творби авторката. Художник: © Хелен ЗакаИвайло Савов е сред водещите имена в съвременната българска скулптура. От 2004 г. скулпторът работи с престижната аукционна къща Hotel des Ventes в Женева. Той е сред малцината съвременни художници, които имат постоянна експозиция в швейцарската Zabbeni Gallery. В салоните й, които се намират в Женева, Веве и Берн, неговите произведения са изложени заедно с образци на Алберто Джакомети (Alberto Giacometti; 1901-1966), Фернандо Ботеро (Fernando Botero; 1932) и Амадео Модилияни (Amedeo Modigliani; 1884-1920)… Произведения на Ивайло Савов са притежание на частни колекционери от 28 държави в цял свят.

Изложбата с монотипии на Хелен Зака и скулптури на Ивайло Савов в столичната галерия „Финес” можете да разгледате до 11 май, петък.

Source Article from http://artnovini.com/news/ot-bylgaria/2467-sculptorat-ivaylo-savov-i-hudognichkata-helen-zaka-podrediha-grandiozana-izlogba-v-galeria-fines.html

Художниците Нина Ковачева и Валентин Стефанов с дебютна изложба в Чехия

Тандемът Нина Ковачева-НИНА и Валентин Стефанов пред творби от дебютната си изложба „Лабиринт и злато” в Чехия. Снимка: © БКИ - ПрагаИзвестният творчески тандем представя „Лабиринти и злато” в галерията на Българския културен институт в Прага.

ПРАГА. Двама от най-известните, талантливи и провокативни български авангардисти: Нина Ковачева-НИНА (Nina Kovačeva-NINA) и Валентин Стефанов (Valentin Stefanov), представят за първи път свои произведения в Чехия – тяхната съвместна изложба „Лабиринти и злато” (Labyrinty a zlato) беше открита на 17 април в галерията на Българския културен институт в Прага (Bulharský kulturní institut v Praze, Klimentská 6). Експозицията илюстрира индивидуалната страна на творческия тандем, познат по света със своите находчиви и оригинални видео арт инсталации, създадени за фасади на музеи, обществени сгради и други публични пространства.


Творби на двамата авангардни художници са познати в цял свят. Снимка: © БКИ - ПрагаИзложбата беше открита от българския посланик в Чешката република Н.Пр. Лъчезар Петков и от Галина Тодорова, директор на Българския културен институт в Прага, в присъствието на двамата художници, които повече от 20 години живеят в Париж.

„От доста години представяме в различни музеи и галерии наши съвместни проекти, тоест на тандема Нина и Валентин, познат и като Ninavale. Радваме се, че за нашата първа изява в Чехия и то в галерията на културния ни институт съумяхме да реализираме изложбата „Лабиринти и злато”. В нея изпъква индивидуалният стил на всеки от нас, представя ни в онази светлина, която не може да бъде уловена в общите ни проекти”, сподели при откриването Валентин Стефанов.

Сред достойнствата на изложбата е постигнатия ефект на допълване на двамата автори, чийто творби ясно се различават още на пръв поглед. За тази творческа симбиоза навярно допринася общата тематична нишка, свързана с въпросите за свободата на личността в съвременното общество, раздирано от сложни взаимоотношения.

Изложбата „Лабиринт и злато” беше открита от българския посланик в Чешката република Н.Пр. Лъчезар Петков и от Галина Тодорова, директор на Българския културен институт. Снимка: © БКИ - ПрагаЕкспозицията запознава пражката публика с маслената живопис на НИНА, характерна със своята стилистична, техническа, образна и концептуална избистреност. Картините са изпълнени основно в бяло, черно и златно, но с безброй нюанси. В новите си творби тя играе главно с детското, ала не с невинността, тъй като редом до усмихнатите детски изображения поставя оръжия и символи, които стоят рекламно десемантизирано.

В авангардните рисунки на Валентин Стефанов се крие неговия афинитет към вектора и стената, към прозирната геометрия на фигури без криви и овали. Явният култ на твореца към науката в прагматичната й приложност се допълва както от футуристични внушения, така и от стремежа на зрителя да се „освободи” като намери изход от лабиринта, наречен живот.

Вернисажът на изложбата, която може да бъде разгледана до 4 май, беше уважен от почитатели на съвременното изкуство от различни поколения, които оцениха високо посланията, заложени в проекта „Лабиринти и злато”.

* * *

Нина Ковачева-НИНА е родена в София, където завършва Националната художествена академия. От 1995 г. заедно със съпруга си - художникът Валентин Стефанов, живее и работи в Париж. Двамата са носители на наградата на ЮНЕСКО за 2002 г. (The 2002 UNESCO Prize for the Promotion of the Arts) за принос в развитието на съвременното изкуство. Творбите на НИНА излизат отвъд пределите на един-единствен художествен похват. Тя използва ресурсите на видеото, фотографията, рисунката. Произведения на НИНА са представяни и са притежание на престижни музеи и галерии по цял свят: Lentos Museum (Линц, Австрия), Zendai Museum of Modern Art и Shanghai Duolun Museum of Modern Art (Шанхай, Китай), Kunsthalle (Хановeр, Германия), ZONE - Chelsea Centre of Contemporary Art (Ню Йорк, САЩ), Musée d’Art Moderne et Contemporain de Strasbourg (Страсбург, Франция) и др.

Валентин СТЕФАНОВ е роден в София; завършил е Националната художествена академия. Работи съвместно със своята съпруга Нина Ковачева-НИНА. Представя много самостоятелни и общи изложби по цял свят, участва в Биеналето за съвременно изкуство (The Canadian Biennial) в Отава, Канада. Негови творби са показвани в Париж, Ню Йорк, София, Шанхай, Белград и др.

Source Article from http://artnovini.com/news/ot-sveta/2466-hudojnicite-nina-kovacheva-i-valentin-stefanov-s-debutna-izlogba-v-tchehia.html

КЗК санкционира „Музикаутор” по искане на БНР, но организацията ще оспорва

Защитата на авторските права в България продължава да бъде „ябълката на раздора” между институции, автори, потребители... Снимка: © artnovini.comОт Сдружението са готови да се противопоставят на всякакви опити творците да бъдат неглижирани или подценени.

СОФИЯ. Комисията за защита на конкуренцията (КЗК) наложи на организацията „Музикаутор” санкция от 56 678 лв. за злоупотреба с господстващо положение. Нарушението се изразява в поведението на Сдружението в отношенията му с Българско национално радио (БНР) и следващата от това невъзможност за общественото радио да използва в програмите си репертоара на „Музикаутор”, съобщиха от „Драган Цанков” 4.


КЗК е установила нарушение по чл. 21, т. 5 от Закона за защита на конкуренцията, изразяващо се в злоупотреба с господстващо положение на пазара на предоставяне на права за излъчване на музикални и литературни произведения от репертоара на „Музикаутор” по безжичен път, предаването или препредаването на произведенията по електронна съобщителна мрежа за доставчици на радиоуслуги на територията на страната, което може да предотврати, ограничи или наруши конкуренцията и да засегне интересите на потребителите посредством необосновано прекратяване на съществуващите договорни отношения с Българското национално радио, с което се препятства осъществяваната от радиото дейност.

Комисията е установила, че от преговорите, водени между БНР и „Музикаутор”, и от цялостното поведение на „Музикаутор” в тази връзка, може да се направи извод, че прекратяването на действащия договор между страните представлява начин за постигане на исканите от Сдружението условия за определяне размера на дължимите му възнаграждения за лицензирането на съответните права. Чрез прекратяването на договора с БНР „Музикаутор” лишава националното радио от възможност за ефективно конкуриране на пазара, на който последното осъществява дейност, допълват от медията.

В отговор на решението на КЗК, в обръщение до медиите, от „Музикаутор” заявиха, че организацията на злоупотребява с господстващо положение. Действията на дружеството целят единствено защитата на правото на творците в България да получават справедливи възнаграждения за произведенията си.

Тази година българските автори ще получат 65% повече за използваното тяхно творчество от БНР, благодарение на новия договор за поетапно увеличаване на авторските възнаграждения и въпреки сериозното му забавяне от шест месеца, припомнят от „Музикаутор”. Реалистичните прогнози сочат, че парите, които ще бъдат разпределени към българските автори следващата година, ще бъдат два пъти повече.

Предвид това, че „Музикаутор” изпълнява своята дейност в съответствие с всички изисквания на българското и европейското законодателство, ние сме длъжни да третираме равнопоставено ползвателите от един и същи сектор. Ето защо организацията ще предприеме всички предвидени в закона действия, за да оспори определеното като „не особено тежко” нарушение, да докаже правотата си и да защити интересите на творците.

Ние вярваме в правосъдната система в България. Преди една година Софийски градски съд прекрати делото, което БНР заведе срещу „Музикаутор”, определяйки иска на радиото като недопустим. Магистратите присъдиха разноските да бъдат платени от националното радио, а решението им не подлежи на обжалване, припомнят от организацията.

Творците трябва да получават достойни възнаграждения, за да създават нови произведения. Убедени сме, че всички институции и медии у нас следва да насърчават културата и музиката или поне да не пречат на тяхното развитие. В името на тази кауза сме готови да се противопоставим на всякакви опити творците да бъдат неглижирани или подценени, заявяват от „Музикаутор”.

Source Article from http://artnovini.com/art-mix/muzika/2465-kzk-sankcionira-musicautor-po-iskane-na-bnr-no-sporat-prodaljava.html

Режисьорът Димо Дешев събра в книга свои метаисторически драсканици, писаници и смехории

Театралният режисьор Димо Дешев издаде първата си книга - „Записки по българските истории. Хумористична теория за нашия народ”. Снимка: издателство „Захарий Стоянов”. Художник: © Красимир КоцевИзвестният български театрал дебютира в литературата с хумористична теория за нашия народ.

СОФИЯ. Драсканици, писаници, смехории… Режисьорът Димо Дешев събра образци на тези специфични литературни жанрове в книгата си „Записки по българските истории” с подзаглавие „Хумористична теория за нашия народ”, а издателство „Захарий Стоянов” я издаде преди има-няма и месец. Историите на гражданина Темелков, зен мастър Дзя Дзин, Vutе и на други емблематични за българската постмодерна дигитално свързана народопсихология субекти, са илюстрирани с великолепни карикатури от класика Георги Чаушов, Ивайло Нинов и Красимир Коцев (ремарка: „Настана време карикатуристите и сатириците да пишат Историята!”, казва режисьорът).


Димо Дешев е познат на широката общественост и на поклонниците на Мелпомена като режисьор в Драматично-куклен театър „Иван Радоев” – Плевен. Описва себе си и своята работа така: „Казвам се… Всъщност това няма голямо значение! Повечето от времето си прекарвам като режисьор в Театъра – както се вижда от картинката – поставям смешни пиеси… Понякога самият аз пиша комични текстове, които други режисьори поставят на Сцената. През останалото време си мисля разни забавни, иронични, понякога дори сатирични неща, докато наблюдавам Света около нас…”

Но вездесъщата глобална мрежа допълва:

Роден: 17 декември 1956 г., с. Раковица, Видинско;
Завършил: специалност „Театрална режисура” във ВИТИЗ „Кръстьо Сарафов” при проф. д-р Кръстьо Мирски и Анастас Михайлов през 1981 г.;
Дебют: през 1981 г. в Драматичен театър – Видин с постановката „Фантазиите на Фарятиев” от Людмила Петрушевска;
Работил (като щатен режисьор): в драматичните театри във Видин, Ловеч и Плевен;
Постановки: във Видин, Варна, Шумен, Перник, Браила;
Заглавия: „Утопия” от Аристофан, 1990/1991; „Да играем Стринберг”, Дюренмат, 1996/1997; „По неволя доктор”, Молиер, 2001/2002; „Татуирани души”, Горан Стефановски, 2004/2005; „Криворазбраната цивилизация”, Добри Войников, 2004/2005; „Българи от старо време”, Любен Каравелов, 2005/2006; „Вечеря за глупаци” (Франсис Вебер), 2006/2007; „Кабаре ЕВРОПА” (Любомир Пеевски), 2008/2009; и т.н.;
Драматургични текстове: „Страсти Илиеви” (десет постановки), „Лабиринт” (в Шумен), „Селото на таласъмите” (Плевен, Ловеч, Кърджали, Балчик, Монтана), и др.

Режисьорът (вдясно) и Патриарха (на българската литература). Снимка: © Личен архив на режисьораПриятелите на Димо Дешев пък споделят:

Ани Илков: Димо беше измежду най-неспокойните духове в гимназията. Струва ми се, че още тогава той смяташе, че светът и животът крият „аристофанически тайни”. Още тогава може би той си постави весело-трудната творческа и житейска задача – да разкрива тези тайни една по една. Вземи и чети!”

Борис Панкин: „Не четете тази книга! Димо Дешев е тенец под прикритие! Онова митично-мистично същество от Северозапада на бай Йордан Радичков. А сте се докоснали до тенеца, а сте се пристрастили! Затова, ако не ми вярвате, четете!…”

Борислав П. Петранов: Димо Дешев ще ви увлече в разказа си за едни отминали (дали?) времена. Ще ви разсмее, но накрая ще ви и разплаче. В текстовете му (уви!) прозира нещо неисторическо. И то е, че не партии, политици и държавен строй са виновни за нашето сегашно дередже, а ние, ние самите, нашият български манталитет.

В тези кратки разкази Димо върви по ръба на гротеската и трагедията. Но каква е всъщност разликата между комедията и трагедията? Само в гледната точка на разказвача на едно и също събитие. Тази книга е една наслада. Наслада за ума. Кара те да мислиш, а в днешно време това е много…”

Димитър Радичков: „Искрено ти желая на добър час на това ново за теб приключение!”

Калин Илиев: „През далечната 1988-а, когато бях редактор в областния вестник в Ловеч (областен град на Плевен, Велико Търново и Габрово, представете си), ми попаднаха някои от парчетата на Димо Дешев, сега включени в първа глава на тази книга. Веднага ги публикувах. Грабнаха ме не само актуалността чувството за хумор, интелигентността, но и тяхната неприкрита Дионисиева еротичност, която по онова време си беше не просто естетически, а и политически бунт…”

Петко Джоков: „Лицето Димо Иванов Дешев (неосъждан, без вредни навици, хетеросексуален) е написал „Метаисторически драсканици”. С този опус авторът поставя на видно място някои от тъжно-смешните неща през последните трийсетина години от живота ни.

Книгата се чете леко, предизвиква спомени и размисли у тези, които имат памет и могат да мислят, авторът я определя като комична, ако прецизираме – това е доста добър сатиричен опит…”

Книгата „Записки по българските истории” вече е в книжарниците. Снимка: © Личен архив на режисьораА от „висотата” на редактор на „Записките”-те, приятелят на режисьора (двамата се познават от 47 години) – писателят Емил Андреев („Стъклената река”, „Лудият Лука” и др.), пише в послеслова „КНИГА БУКЕТ. Или колко е важно да НЕ бъдеш сериозен”:

„В пиесата на Оскар Уайлд „Колко е важно да бъдеш сериозен” главният герой Джон Уърдинг се подвизава под името Ърнест (на английски „сериозен”, „добросъвестен”, „честен”), на сцената на живота Димо Дешев се подвизава като театрален режисьор, не по-малко добър и честен във всяко отношение…

…Наричам първата книга на Димо Дешев букет, тъй като в нея има всякакви цветя от годините на „соца” и последвалата прехождаща демокрация, чието истинско лице едва ли някога ще видим. Какви ли не аромати се разнасят от страниците й – смешни, весели, абсурдни, гротескни, тъжни, че дори и трагични в своята накъсана и задъхана, а на места дори анекдотична форма. В този смисъл не са случайни и прекрасните и класически вече карикатури на големия Георги Чаушов, на Ивайло Нинов и на Красимир Коцев… Всичко писано от Димо Дешев през годините носи белега на своето време, на неговите безсмислени завихряния и глупашки случвания и случки, които хем ни разсмиват, хем ни озадачават и ни карат да се питаме: как е възможно да сме живели така, как е възможно все още да живеем така? Е, отговорът е – възможно е!…

Книгата на Димо Дешев включва илюстрации от известни български карикатуристи. Снимка: издателство „Захарий Стоянов”. Художник: © Георги ЧаушовНай-хубавото на тази книга е, че Димо Дешев не претендира за писателски ореол (освен добър, той е и скромен човек) и си мисля, че подобно достойнство още повече подчертава качествата на неговите текстове. Вярвам също, че читателите ще усетят колко е важно наистина да не си сериозен и да се правиш на такъв, какъвто не си…”

Въведена в библиотеката на вечността с ISBN 978-954-09-1217-2, книгата „Записки по българските истории. Хумористична теория за нашия народ” с драсканици, писаници и смехории от режисьора Димо Дешев със сигурност ще ви помогне чрез здравословен искреночист смях да удължите живота си, ако не с няколко години (както го правят биопродуктите от супера – ти да видиш!), то поне с някоя и друга минута (кой ви я дава!). Това е гаранция, както и това, че ще ви размърда гънките за размисъл…

За финал, една Финална ПРИТЧА:

дЕдо гледашe свинье – у кочина! Един ден забрави вратата отворена… Вместо да избЕгат, свиньете сами залостиха кочината отвътре?

И най-последно: понеже иде Гергьовден, а както изглежда (от еволюционна гледна точка), вълкът вече не само нрава, но и кожата си не мени:

Вълкът-мандатоносител Бай Х-й покани Агнето-колаборационист на Гергьовден!

Струва 12 лева. Книгата. Колкото кило агнешко, но е много-много по духовнохранителна и с много-много по-дълъг срок на годност. Хора, четете!

Source Article from http://artnovini.com/art-mix/literatura/2464-regisiorat-dimo-deshev-sabra-v-kniga-svoi-metaistoricheski-draskanici-pisanici-i-smehorii-.html

Излиза уникално издание с пет концерта на Майлс Дейвис и Джон Колтрейн

Майлс Дейвис е едно от най-големите имена в историята джаза. Photo Credit: 2014 © Glen Craig / Columbia/Legacy RecordingsАлбумът The Final Tour: The Bootleg Series, Vol. 6 с композиции от 1960 г. е мастериран с помощта на най-новите звукозаписни технологии.

СОФИЯ. Петте съвместни концерта от 1960 г. на Майлс Дейвис (Miles Davis; 1926-1991) и Джон Колтрейн (John Coltrane; 1926-1967) в Париж, Стокхолм и Копенхаген, излизат за първи път в албум като финална част от наградената с Grammy® поредица The Bootleg Series. Световната премиера на тавата Miles Davis & John Coltrane – The Final Tour: The Bootleg Series, Vol. 6 е в петък, 23 март, съобщиха от компанията Вирджиния Рекърдс/Sony Music, издател и разпространител на проекта.


Албумът от колекцията на Columbia/Legacy Recordings, каталожното подразделение на Sony Music Entertainment, излиза на 4 CD-та и в дигитална версия във всички платформи за даунлоад и стрийминг. Проектът разкрива страхотната музикална химия между Майлс и Трейн и събира за първи път фрагменти от петте изключителни концерта, част от легендарното им турне Spring 1960 Jazz At The Philharmonic European Tour. До момента изпълненията на виртуозните джазмени и на техния фантастичен бенд беше слушала единствено публиката, присъствала в легендарната парижка зала L’Olympia Theater на 21 март 1960 г., ден по-късно – в зала Konserthuset в Стокхолм, и на концерта от 24 март в зала Tivolis Koncertsal в Копенхаген.

Гениалният тромпетист на сцената. Photo Credit: © Columbia/Legacy RecordingsПродуценти на уникалното четворно издание са многократните носители на Grammy® Стив Берковиц (Steve Berkowitz), Майкъл Кускуна (Michael Cuscuna) и Ричард Зайдел (Richard Seidel), а албумът е мастериран от Майк Уайлдър (Mark Wilder), инженер на Sony Music и носител на същата престижна награда.

Записите са осъществени във времето, когато Майлс и Трейн правят своята лична революция в джаза. Двамата са сред най-влиятелните музиканти на XX в., които остават в историята със своята иновативност, с музикалните си търсения и с неконвенционалното звучене, което създават. Истински титани с огромен принос за развитието на модалния джаз, фюжън, куул джаз, хард боп, те са автори на двата най-велики, според критиката, албума в историята на този стил: Kind of Blue (1959) на Майлс Дейвис и A Love Supreme (1965) на Джон Колтрейн.

„Докато слушате записите от турнето през 1960 г. усещате голяма част от това, което се случва на сцената и до нея. Освен силата и емоцията в изпълненията, суинга и енергията на музикантите, неподправената реакция на европейската публика е неразривна част от тези исторически записи.” – пише в книжката към албума музикалният историк Ашли Кан (Ashley Kahn), носител на Grammy Award®.

Концертната програма е своеобразна колекция Greatest Hits на тромпетиста Майлс Дейвис и включва композиции като Round Midnight, Bye Bye Blackbird, On Green Dolphin Street, Walkin’, All Of You и Oleo – стандарти, които Майлс превръща в класики и които по-късно са последвани от невероятните So What и All Blues от албума Кind Of Blue

Майлс Дейвис през 1956 г. в прочутото студио на Columbia на 30-та улица (Columbia 30th Street Studio) - наричано още The Church, в Мнахатън, Ню Йорк. Photo Credit: © Hank Parker / Columbia/Legacy RecordingsПрез 1955 г. гениалният Майлс сформира Първия голям квинтет (The First Great Quintet) и кани Джон Колтрейн - тенор саксофон, Ред Гарлънд (Red Garland, Jr.; 1923-1984) - пиано, Пол Чембърс (Paul Chambers, Jr.: 1935-1969) – бас, и Фили Джо Джоунс (Philly Joe Jones; 1923-1985) - ударни. Две години по-късно квинтетът записва Round About Midnight, Miles – първият албум за лейбъла Columbia Records. Тези ранни записи показват контраста между пространствените мелодични линии в звученето на Майлс и каскадните високоенергични сола на Колтрейн, казват издателите.

Концертните записи от европейското турне на Майлс и Трейн запечатват последните общи сценични изяви на двамата легендарни музиканти и разкриват изключителното влияние, което двамата оказват върху развитието на джаза – традиционен и авангарден. Красивата музика, която Майлс Дейвис и Джон Колтрейн създават заедно, е представена за първи път в предстоящия албум, а концертните изпълнения са мастерирани благодарение на най-новите звукозаписни технологии, като са използвани оригиналните аналогови ¼-инчови ленти, записани през 1960 г. от националните оператори на Франция и Швеция.

The Final Tour е албум с изключително значение за всички любители на джаза и е своеобразна покана за пътуване назад във времето с красотата и магията на Майлс и Трейн. Освен двамата, в бенда, участвал в турнето, са още Уинтън Кели (Wynton Kelly; 1931-1971) - пиано, Пол Чембърс - бас, и Джими Коб (Jimmy Cobb; 1929) - барабани, които записват и класическата тава Kind Of Blue.

Изданието The Final Tour включва и автентичен запис на непубликувано досега аудио интервю с Джон Колтрейн, взето от известния шведски тенор саксофонист и кларинетист Карл-Ерик Линдгрен (Carl-Erik Lindgren; 1926-1977). Излъчени еднократно в радио ефира през март 1960 г., тези концерти се радват на изключително внимание от страна на меломани и колекционери. Затова, за всички любители на грамофонните плочи е и специалното издание The Final Tour: Copenhagen, March 24, 1960 на 12-инчов винил формат.

Световната премиера на албума Miles Davis & John Coltrane - The Final Tour: The Bootleg Series, Vol. 6 е на 23 март. Снимка: Вирджиния Рекърдс/Sony Music © Columbia/Legacy Recordings* * *

Първите пет издания от серията
Miles Davis Bootleg Series са:

- Live in Europe 1967: The Bootleg Series Vol. 1
(изд. през 2011)
- Miles Davis Quintet - Live In Europe 1969:
The Bootleg Series Vol. 2
(изд. през 2013)
- MILES AT THE FILLMORE - Miles Davis 1970:The Bootleg Series Vol. 3 (изд. през 2014)
- MILES DAVIS AT NEWPORT 1955-1975:
The Bootleg Series Vol. 4
(изд. през 2015)
- Miles Davis Quintet: Freedom Jazz Dance:
The Bootleg Series, Vol 5
(изд. през 2016)

* * *

Съдържаниe на албума
Miles Davis & John Coltrane
The Final Tour: The Bootleg Series, Vol. 6

Disc 1 – CD  

1. All of You (Live from Olympia Theatre, Paris) - 00:17:05
2. So What (Live from Olympia Theatre, Paris) - 00:13:25
3. On Green Dolphin Street (Live from Olympia Theatre, Paris)00:14:40
4. Walkin’ (Live from Olympia Theatre, Paris)00:15:52

Disc 2 – CD

1. Bye Bye Blackbird (Live from Olympia Theatre, Paris) - 00:14:01
2. ‘Round Midnight (Live from Olympia Theatre, Paris) - 00:05:37
3. Oleo (Live from Olympia Theatre, Paris)00:04:22
4. The Theme (Live from Olympia Theatre, Paris)00:00:50
5. Introduction (Live from Tivoli Konsertsal, Copenhagen) - 00:01:00
6. So What (Live from Tivoli Konsertsal, Copenhagen) - 00:14:36
7. On Green Dolphin Street
   (Live from Tivoli Konsertsal, Copenhagen)
00:14:35
8. All Blues (Live from Tivoli Konsertsal, Copenhagen)00:15:31
9. The Theme (incomplete) (Live from Tivoli Konsertsal, Copenhagen)00:00:31  

Disc 3 – CD

1. Introduction by Norman Granz
   (Live from Konserthuset, Stockholm)
00:01:11
2. So What (Live from Konserthuset, Stockholm)00:10:35
3. Fran Dance (Live from Konserthuset, Stockholm)00:07:25
4. Walkin (Live from Konserthuset, Stockholm)00:16:21
5. The Theme (Live from Konserthuset, Stockholm) - 00:00:53

Disc 4 – CD


1. So What (Second Concert) (Live from Konserthuset, Stockholm)00:15:20
2. On Green Dolphin Street (Live from Konserthuset, Stockholm)00:13:40
3. All Blues (Live from Konserthuset, Stockholm)00:16:10
4. The Theme (Second Concert) (Live from Konserthuset, Stockholm)00:00:59
5. John Coltrane Interview (Live from Konserthuset, Stockholm)00:06:13

Source Article from http://artnovini.com/art-mix/muzika/2447-izliza-unikalnoto-izdanie-s-pet-konzerta-na-miles-davis-i-john-coltrane.html

Проф. Десислава Минчева представя живопис в Градската галерия във Варна

В изложбата си в Градската художествена галерия във Варна проф. Десислава Минчева показва портрети, фигури и пейзажи. Вляво: „Портрет на Калина Тасева”, вдясно: „Автопортрет”. Снимка: artnovini.com / © Личен архив на художничкатаЕкспозицията е на разположение на почитателите на изобразителното изкуство от 21 март до 10 април т.г.

ВАРНА. Едно от най-значимите културни събития през тази седмица в морския град несъмнено е изложбата с живописни творби на проф. Десислава Минчева, която днес, 21 март, от 18.00 ч. открива Градската художествена галерия. Експозицията е разположена в две зали на първия етаж на ул. „Любен Каравелов” 1 и представя 23 творби на световноизвестната българска художничка. „Картините, които представям, са рисувани през последните година-две. Повечето от тях са показвани, но сега – тук, звучат по съвсем различен начин”, споделя проф. Минчева.


Художник: © Десислава МинчеваЗа творчеството на Десислава Минчева могат да бъдат казани много неща – според разбиранията на всеки. Едно, обаче, е сигурно: нейните великолепни портрети (сред тях: на майка ѝ – голямата българска художничка Калина Тасева, на скулптора Емил Попов, на певицата Деница Серафимова), изящните фигури и възхитителните пейзажи от северното Черноморие и Китай, пробуждат в душата на съзерцателя възторга от Изкуството и онзи неподвластен на противоречията на времето копнеж по вечната красота, съпътстващи през хилядолетията нашата цивилизация. Произведенията ѝ провокират съзидателните сили на човешката природа към размисъл, към творчество и вдъхновяват за живот. Разбира се, провокират само онези, които имат сетивата и чувствителността да усетят посланията, тайнствата, мощта, но и нежността на хармониите между дух и материя, между форма и съдържание, които разкрива в картините си художничката.

Изложбата на проф. Десислава Минчева е експонирана в две от залите на ГХГ - Варна. Снимка: artnovini.com / © личен архив на художничкатаПравенето на картини е спасение. Голямата трагедия е в онази грандиозна бездна, която зее между света в картините ни и този отвън. Чудя се понякога дали е морално да стоя в ателието и да рисувам, когато отвън всичко се тресе… Но… всеки си има Път… Ще ми бъде трудно да спра да правя изкуство, заради шайката безскрупулни типове, които се опитват да моделират живота ни. Има вечни, има и временни неща и стойности…” - каза преди време проф. Минчева в интервю за artnovini.com. И наистина, застанал пред творбите ѝ, човек неусетно се озовава във философски, естетически и морални измерения, където би могъл да потърси отговори за преходното и непреходното, за тленността и вечността, за реалността и идеалите…

Изложбата на проф. Десислава Минчева в Градската художествена галерия във Варна можете да видите от 21 март до 10 Април 2018 г.

Художник: © Десислава Минчева* * *  

Кратка биография

ДЕСИСЛАВА МИНЧЕВА е родена на 29 април 1956 г. в София. През 1981 г. завършва специалност „Живопис” в НХА, в класа на акад. Светлин Русев.

Художничката има над 45 самостоятелни изложби у нас и в чужбина. Нейни творби са във фонда на Националната художествена галерия, Софийска градска художествена галерия, както и в редица общински и частни колекции в страната и чужбина: Франция, Холандия, Белгия, Германия, Великобритания, Гърция, Финландия, САЩ, включително в колекцията на проф. д-р П. Лудвиг (Аахен, Германия), колекцията на Юго Вутен (Белгия) и колекцията на Академията в Сиан (Китай).

Десислава Минчева е професор в Катедра „Рисуване” на НХА, София, и преподава на студентите от специалности „Живопис” и „Скулптура”. За работата си в областта на рисунката художничката е отличена със Златен медал на фондация „Агаци”, Италия (2002). Проф. Минчева е изнасяла лекции в Академия „Ла Есмералда”, Мексико сити (2007); в Барселона, Испания (2008); в Екол де Боз’ар Париж, Франция (2008) и в Академия Брера в Милано, Италия ( 2009); в Академията в Сиан (2011, 2012) и през септември 2013 – в Академията в Ханджоу в Китай.

До 2016 г. проф. Минчева е член на Изпълнителното бюро на Съюза на българските художници, където ръководеше отдел „Международни отношения и връзки с обществеността” на организацията и беше редактор на Бюлетина на СБХ.

През 2008 г. художничката издаде книгата „39 съвременни български художници” и е куратор на изложбата, с участието на авторите от изследването. От 2005 до 2009 г. е сътрудник по въпросите на изобразителното изкуство в списание Bravacasa.

През 2014 г. е куратор на изложбата „20 съвременни български художници”, West Lake Museum, Ханджоу, Китай.

Проф. Десислава Минчева е участвала в АrtExpo New York (2001, 2002) и в Есенния салон в Париж (1991, 1992).

Source Article from http://artnovini.com/news/ot-sveta/2446-prof-desislava-mincheva-predstavia-givotis-v-gradskata-galleria-vav-varna-.html

The 12th edition of Art Dubai welcomes 105 galleries from 48 countries

In Art Dubai 2018 participate 105 galleries from 48 countries, with over 500 artists participating across its programmes. Courtesy: Art Dubai 2014This year the Forum will continue from Wednesday, March 21 – Friday, March 23, 2018.

DUBAI. Held under the patronage of His Highness Sheikh Mohammed bin Rashid Al Maktoum, Vice President and Prime Minister of the United Arab Emirates (UAE) and Ruler of Dubai, the 12th edition of Art Dubai – the fair’s most globally diverse to date – will open its doors to the public from March 21 to March 23. Art Dubai 2018 will welcome a variety of exhibitors from all over the world and premier a new gallery section, alongside a wealth of programming and talks around art and beyond, announced artdubai.ae.


Reaffirming its position as a leading international art fair and the preeminent place to discover art from the Middle East, North Africa and South Asia, Art Dubai 2018 (Madinat Jumeirah, Fort Island) features 105 galleries from 48 countries across its Contemporary and Modern halls as well as its new section Residents.

Highlights of this year’s programming include the unveiling of Lawrence Abu Hamdan’s winning commission for the 10th edition of the Abraaj Group Art Prize and Khaleeji artist collective GCC turning Art Dubai’s The Room into a TV studio in GOOD MORNING GCC (.صباح الخير جي. سي. سي).

As part of Art Dubai’s new partnership with the Misk Art Institute, the fair will present a museum-quality exhibition entitled, That Feverish Leap into the Fierceness of Life, featuring rarely-seen Modern works from across the region as well as Reframe Saudi, a Virtual Reality documentary film that explores Saudi Arabia by looking inside the studios of Contemporary artists based in the Kingdom.

Alongside gallery halls and exhibitions, Art Dubai will feature a comprehensive talks programme: the 12th edition of the Global Art Forum entitled I Am Not a Robot” that will explore the highly topical theme of automation; as well as the second edition of Art Dubai’s Modern Symposium, which addresses the lives and cultural impact of 20th century masters from the Middle East, South Asia and Africa.

The Sheikha Manal Little Artists Program returns for its 6th edition, featuring Japanese-Australian Artist Hiromi Tango as the lead-artist, who will work with children throughout the week as part of her project Healing Garden.

Once more, Art Dubai reaffirms its position as the platform representing the Middle East, North Africa and South Asia, where initiatives are formed or announced, artists’ careers launched onto the international stage and where new partnerships and discoveries are made.” said Myrna Ayad, Director, Art Dubai.

Pablo del Val, Artistic Director, Art Dubai, commented: With each edition, we work towards stronger, more defined curatorial narratives that this year, are combined with the cultural offerings of 48 countries. It’s been extremely rewarding to launch Residents and see it culminate at the fair; this initiative is in line with our objective to both engage communities and attract new energies to the fair and city.

Art Dubai Contemporary

With 78 galleries from 42 countries, including first-time gallery participations from Iceland, Ethiopia, Ghana and Kazakhstan, this year’s Contemporary gallery halls confirm Art Dubai’s unique character as a platform for discovery for art from across the world and meeting point for art from established centres and emerging scenes alike. Spread across two gallery halls, Art Dubai’s Contemporary section will see a strong representation of galleries from the Middle East, North Africa and South Asia, a significant contingent of returning galleries from Europe and North America, as well as a unique line-up of galleries from Africa and Latin America.

Art Dubai Modern

The 5th edition of Art Dubai Modern will feature a 16 galleries from 14 countries and introduce, for the first time, collective exhibitions, in addition to solo- and two-artist shows. The only commercial platform for museum-quality Modern works from the region, galleries participating in Art Dubai Modern 2018 will feature renowned Modernists form the Middle East, Africa and South Asia. Misk Art Institute is the exclusive partner of Art Dubai Modern.

Residents

Premiering in 2018, Residents is a programme-cum-gallery section at Art Dubai, which saw 11 international artists come to the UAE for a 4-8 week residency, producing work which will be presented by the artists’ respective galleries in this new section at the fair. During their residencies at in5 and Tashkeel in Dubai and Warehouse421 in Abu Dhabi, the artists had the opportunity to engage with the local community, work collaboratively with one another, participate in talks, and conduct open studios.

The 10th edition of the Abraaj Group Art Prize

Celebrating its 10th anniversary in 2018, the Abraaj Group Art Prize has become a cornerstone of the art scene in the Middle East, North Africa and South Asia, as well as a stepping stone for mid-career artists, many of whom have become well-known names in the international art world. The 2018 edition of the Prize is curated by Myriam Ben Salah. The commissioned work by winning artist Lawrence Abu Hamdan, will be unveiled alongside an exhibition of works by shortlisted artists Basma Alsharif, Neil Beloufa and Ali Cherri.

The Room: GOOD MORNING GCC (.صباح الخير جي. سي. سي)

Art Dubai’s interactive dining experience, which is created by different artists each year, will be produced by Khaleeji artist collective GCC in 2018. Titled GOOD MORNING GCC (.صباح الخير جي. سي. سي), this year’s edition of The Room will recreate a live TV show on site, using the tropes of daytime talk shows commonly featured on TV stations across the Arab world as an anchor for the programming, which will include daily segments such as fashion, cooking and health. A particular highlight will be the celebrity wedding singer and TV chef Suliman Al Qassar, an icon of food performance and much-loved TV personality in the region, who will launch the programme with a live cooking demonstration on the opening night of the fair. The overall experience of the set will develop over the duration of the fair with daily performances, and visitors being able to interact with the props, furniture and scenography.

The Global Art Forum

Part of Art Dubai’s extensive cultural programming, the Global Art Forum is an annual arts conference – the largest in the Middle East, North Africa and South Asia – and unique in that it examines culture from a variety of disciplines and in bringing together leading minds from a variety of fields to discuss a specific topic.

The 12th edition of the Forum will focus on the power, paranoia and potentials of automation. Entitled I Am Not a Robot”, the 12th edition of the transdisciplinary summit will be programmed by Commissioner Shumon Basar, with Chief Operating Officer and Futurist-in-Chief of the Dubai Future Foundation Noah Raford, and Curator of Digital Culture & Design Collection at the MAK, Vienna, Marlies Wirth, as Co-Directors.

Art Dubai’s Global Art Forum is presented by the Dubai Culture and Arts Authority (Dubai Culture) and supported by Dubai Design District (d3).

Reframe Saudi

As part of its partnership with the Misk Art Institute, Art Dubai will present Reframe Saudi, a Virtual Reality documentary film that explores Saudi Arabia by looking inside the studios of contemporary artists. Art Dubai audiences are invited to experience a preview of the film, becoming witness to the vivid profusion of cultural narratives shaping life in the changing Kingdom. Directed by Matteo Lonardi and produced by Culturunners, the regional preview of Reframe Saudi at Art Dubai pre-empts the international launch of the final film at the World VRForum in June 2018.

The preview will be accompanied by a panel discussion on VR and Contemporary Art, moderated by Marisa Mazria Katz with World VR Forum Director, Salar Sahna, VR film maker Matteo Lonardi and Saudi Artist Ahaad Alamoudi.

That Feverish Leap into the Fierceness of Life

Presented alongside Art Dubai Modern and supported by the Misk Art Institute, the museum-quality exhibition, That Feverish Leap into the Fierceness of Life presents over 75 artworks by some of the leading members of five modernist artist groups and schools spanning five decades from five Arab cities: the Contemporary Art Group in Cairo (1940s/1950s), the Baghdad Group for Modern Art (1950s), the Casablanca School of Art (1960s/70s), The Khartoum School (1960s/70s), and dār al-funūn al-sa’udiah (The House of Saudi Arts) in Riyadh (1980s). Curated by Sam Bardaouil and Till Fellrath, the exhibition derives its title from the 1951 founding manifesto of the Baghdad Group for Modern Art, reflecting these groups’ passionate contributions to the intellectual and artistic discourse surrounding modernism within their respective socio-political contexts.

Modern Symposium

Returning for its 2nd edition in 2018, Art Dubai’s Modern Symposium is a series of talks and presentations focused on the life, work and cultural impact of 20th century masters from the Middle East, South Asia and Africa. Renowned curators, scholars and patrons come together for a series of talks that delve into the styles, influences and practices of artists whose work contributes to the history of art produced in the 20th century. The Art Dubai Modern Symposium will take place in the Misk Lounge. =

The Sheikha Manal Little Artists Program

The 6th edition of the Sheikha Manal Little Artists Program will welcome Japanese-Australian Artist Hiromi Tango as the lead-artist, presenting her project Healing Garden, which will feature an interactive installation that invites children to participate in creating a nurturing environment based on local plants and flowers. The workshops and immersive installation will provide hands-on opportunities for children to create and explore the space that is energized through the interplay of light, colors, textures and shapes. Alongside the onsite workshops, the program will see the return of the popular Discovery Tours for children and teenagers at the fair, as well as a growing number of schools taking part in the Artists-in-Schools Initiative.

Held under the patronage of Her Highness Sheikha Manal bint Mohammed bin Rashid Al Maktoum, President of UAE Gender Balance Council, President of Dubai Women Establishment, and wife of His Highness Sheikh Mansour bin Zayed Al Nahyan, Deputy Prime Minister and Minister of Presidential Affairs UAE, the program is a partnership between The Cultural Office of Her Highness Sheikha Manal bint Mohammed bin Rashid Al Maktoum and Art Dubai, offering a unique educational opportunity for UAE-based children and teenagers, and encouraging them to excel in the arts. The program is part of Art Dubai’s longstanding commitment to education and the development of the UAE’s cultural landscape.

Partner Exhibitions:

Julius Baer at Art Dubai: From Pen To Thread: Des”

This exhibition by Swiss-Egyptian artist Karim Noureldin will feature two large, site-specific textile installations based on drawings made by the artist and produced in India. Widely recognised and exhibited internationally, Noureldin’s work continues his investigation into geometric abstractions.

Piaget’s Sunlight Journer

For its third showcase at Art Dubai, Piaget presents its latest high jewelry and watchmaking collection: Sunlight Journey. Inspired by the scenic beauty of the Amalfi Coast, the collection is an escapade punctuated by joyful effervescence and dazzling radiance. In collaboration with The Cultural Office of Her Highness Sheikha Manal bint Mohammed bin Rashid Al Maktoum, Piaget reveals Summer Muse by Emirati artist Jawaher Alkhayyal, inspired by Maison Piaget’s Sunny Side of Life high jewelry collection.

* * *

ART DUBAI is held in partnership with The Abraaj Group. The fair is sponsored by Julius Baer and Piaget, with Madinat Jumeirah as the home of the event. The Dubai Culture & Arts Authority (Dubai Culture) is a strategic partner of Art Dubai and supports the fair’s year-round education programme. The Misk Art Institute is the exclusive partner of Art Dubai Modern.

Source Article from http://artnovini.com/art-globe/the-world/2445-the-12th-edition-of-art-dubai-welcomes-105-galleries-from-48-countries.html

През 2017 г. приходите от световния арт пазар достигнаха 63.7 млрд. USD

Art Basel 2017 в Маями Бийч. През миналата година по време на изложби и арт изложения бяха продадени произведения на изобразителното изкуство за 15.5 млрд. USD. Credit: © Art BaselСпоред експерти, ситуацията в средния сегмент на търговията с художествени произведения ще се влошава.

ЖЕНЕВА. През 2017 г. приходите от световния пазар на изобразително изкуство са нараснали с 12% и достигнаха 63.7 млрд. USD, показват резултатите от публикувания през седмицата доклад за състоянието на глобалния арт пазар: Art Basel and UBS Global Art Market Report 2018, поръчан от мениджмънта на международното изложение Art Basel и от швейцарската банка USB.


Ръстът на световния арт пазар идва след две години на спад, но този възход не успя да надхвърли рекордните приходи от над 68 млрд. USD, които бяха отчетени през 2014 г., както и обема от 66 млрд. USD, който беше постигнат през 2007-а, година преди началото на световната финансова криза (през 2009 г. постъпленията паднаха до 39.5 млрд. USD). Миналата година арт дилърите реализираха 53% от общите продажбите (ръст от 4%), а делът на откритите търгове, проведени от аукционните къщи, е 47%, съобщава artbasel.com.

Основната част от глобалната търговия, равняваща се на 83%, през 2017 г. отново беше съсредоточена в три страни: на първо място е САЩ с 42%, на второ е Китай с 21%, а на трето – Великобритания с 20%.

Безспорният лидер в продажбите през миналата година е картината „Спасителят на света” (Salvator Mundi; c. 1500) от ренесансовия гений Леонардо да Винчи (Leonardo da Vinci; 1452-1519), за която по време на търга „Следвоенно изкуство и съвременно изкуство” (Post-War and Contemporary Art Evening Sale), проведен на 15 ноември м.г. от Christie’s New York, купувач от Абу Даби заплати удивителната сума от 450 млн. USD. С произведението на Леонардо е свързан и един любопитен факт: ако творбата, чиято продажба в доклада е наречена „екстремална”, бъде включена в общите приходи от сегмента „Стари майстори”, то те ще отбележат ръст от 64%, но при положение, че сделката не бъде взета предвид, тогава приходите в сегмента ще отбележат спад от 11%.    

От изследването става ясно, че през последните 10 години общият дял на продажбите за и над 10 млн. USD се е увеличил със 148%, а за миналата година – със 128%. В същото време, приходите от търговията с произведения на изкуството с цена по-ниска от 1 млн. USD, през изминалото десетилетие са намалели. Авторите на доклада посочват, че значителен ръст (10%) отбелязват галериите с годишен оборот над 50 млн. USD, докато тези с приходи под 500 хил. USD отчитат спад от 4%. Според допитване, проведено сред 905 водещи арт дилъри от цял свят, ситуацията в средния сегмент на пазара на изобразително изкуство ще се влошава. Като мярка, която би могла да повлияе върху негативните тенденции, известната икономистка Клер Макендрю (Dr Clare McAndrew), основател на компанията Arts Economics и ръководител на проучването, предлага установяването на по-прозрачна ценова политика и по-ясни контракти между художниците и галериите, които ги представят. Специалистката поддържа идеята и за т.нар. „вертикална интеграция”, при която големите и по-малките галерии биха могли да си сътрудничат, че обмена на различни събития.

В доклада се отбелязва, че 101 души от Топ 200 на най-големите колекционери на изобразително изкуство в света живеят в САЩ. Във Великобритания те са 13, в Швейцария11, в Германия10, в Китай9, в страните от Близкия Изток5, в Япония - 9, и т.н.

През 2017 г. продажбите от изложби и арт изложения запазиха възходящия тренд от последните години и достигнаха 15.5 млрд. USD (ръст от 17%). Заедно с това, обаче, цената за участие в тези форуми нарасна с 15% и се превърна в най-значителния разход за галеристите - 4.6 млрд. USD. Следващото перо, което ангажира най-много от техните средства, са рекламата и маркетинга - 2.8 млрд. USD.

Source Article from http://artnovini.com/news/ot-sveta/2444-prez-2017g-prihodite-ot-svetovnia-art-pazar-dostignaha-637-mlrd-usd.html

The Keith Haring’s alphabet, or of how pictures can function just like words

The Albertina Museum in Vienna is devoting a big exhibition to Keith Haring, who would have celebrated his 60th birthday in 2018. Photo: © artnovini.comFrom 16 March to 24 June 2018 the Albertina Museum presents around 100 works to the exceptional American artist.

VIENNA. To mark would have been his 60th birthday, the Albertina is devoting a large-scale exhibition to the exceptional American artist Keith Haring (1958-1990) that includes around 100 works sourced internationally from numerous museums and private collections. The artist, who initially became known for his drawings of the crawling baby, the barking dog, and figures dancing and climbing over each other, numbers among the most celebrated artists of his time. Haring’s creative career, though short, took a truly meteoric course, and the exhibition Keith Haring. The Alphabet (16 March – 24 June 2018) retraces his wholly unique artistic development and historical significance.


The Curator Dr. Dr. Dieter Buchhart (in the middle) at the time of the press conference in the Albertina (March 15, 2018) with Julia Gruen, Executive Director at Keith Haring Foundation. Photo: © artnovini.comSymbolic Practice As Resistance

Keith Haring conceived of his artistic practice as a political statement in the public realm that took aim at the establishment, the authoritarian enforcement of order, and state repression of citizens. He consistently emphasized the creative process and the aspect of performance as well as the political, anarchic act in and of itself. Haring’s works were shown at documenta 7 (1982), at leading international museums and galleries, and at numerous biennials all over the world, and his impact on his contemporaries as well as subsequent generations of artists has been both enormous and lasting.

Keith Haring, ‘Untitled (Self-Portrait)’, 1985. Udo and Annette Brandhorst Collection, Munich © The Keith Haring Foundation. Photo: artnovini.com  Messages of Social Justice

Keith Haring’s drawings, paintings, and sculptures embody messages that take a stand against the violence of ruling elites, against the oppression of minorities, against prejudice, and against barbarism. His themes thus repeatedly revolve around justice and change. His notion of art is an egalitarian one: Keith Haring’s oeuvre draws on the creative principles of graffiti as well as on semiotics and the art-historical canon. With his deceptively simple stick- figures – embodying deliberately primitive codes – he is part of that process by which low art is transformed into high art, such as with the cartoons and advertisements that found their way into museums via the Pop Art movement. Haring never conceived of art as propaganda, yet he did make use of similar mechanisms as well as public space in order to disseminate his art and his ideas.

‘Keith Haring. The Alphabet’ - exhibition view with 15-meter ‘The Matrix’ (1983; The Keith Haring Foundation). Photo: © artnovini.com* * *

The drawing is ‘finished’ from the time you start with the first line. There are places you can ‘stop’ the drawing and call it ‘finished’ but it is never really finished until time and space itself are ‘finished’. There are always infinitely more things you can do to the composition; the trouble is knowing when to stop. The beauty is knowing when to stop. I choose when to stop, but my work is never finished and always finished. Keith Haring

* * *

Keith Haring, Storyboards… Photo: artnovini.com / © The Keith Haring FoundationHe championed the individual, standing up to the oppression emanating from dictatorship, racism, capitalism, and drug addiction. He fought to end Apartheid in South Africa, and his dedication to the struggle against AIDS is legendary. He was also among those voices that, during the 1980s, uttered the loudest warnings about the perils of nuclear war, environmental destruction, and countless other threats to humanity and our planet.

Mickey Mouse recurs frequently in Keith Haring’s oeuvre. © The Keith Haring Foundation. Photo: © artnovini.com Development of a Symbolic Language

Despite his early and lasting success with critics and on the art market, one central aspect – which can be viewed as a primary concern of Keith Haring’s art – has to this day hardly been recognized in its true significance: the systematic symbolic language that runs through his entire oeuvre like a golden thread. Haring – whose coursework at the School of Visual Arts in New York had also included semiotics – developed his symbolic vocabulary and its alphabet based on a keen awareness of how pictures can function just like words. His famous drawings in stations of the New York subway system played an important role in this development: „It sort of became the perfect environment or laboratory for working out all of the ideas that I was discovering,” said the artist. The ultimate outcome of this was Haring’s development of his very own artistic vocabulary. Quite early on, Keith Haring was impressed by the hieroglyphic writing of the ancient Egyptians. What interested him was how they were reduced to just a few lines, a principal that he adopted in his own work. In doing so, he evolved the abstract shapes of his early drawings into his very own language of symbols. This gave rise to his characteristic symbols including the baby, the human being, the dog, the golden calf, the heart, the snake, the pig, the nuclear reactor, the pyramid, the radio, the UFO, sexual intercourse, and much more besides. He „activated” the silhouettes of living beings and objects by drawing radiant halos around them.  More – Page 2

Source Article from http://artnovini.com/art-globe/the-world/2443-the-keith-harings-alphabet-or-of-how-pictures-can-function-just-like-words.html

Започва юбилейният десети Фестивал на българското кино в Прага

Плакатът на Фестивала на българския филм в чешката столица. Снимка: © Български културен институт в ПрагаОт 15 до 22 март форумът ще представи десет от най-награждаваните, стойностни и харесвани игрални филми от нашата кинематография.

ПРАГА. Юбилейното 10-то издание на Фестивала на българското кино (10. ročník Festivalu bulharských filmů), ще бъде проведено от 15 до 22 март в чешката столица, а негови организатори са Посолството на Република България в Чехия и Българският културен институт (Bulharský kulturní institut v Praze). Съорганизатори на форума са Националният филмов център и пражките кина „Луцерна” (Lucerna) и „Пилоту” (Pilotů), с подкрепата на туристическа агенция „Александрия” и в партньорство с разпространителската компания Film Europe, съобщиха от културния ни институт в Прага.


Отляво на дясно: кадри от филмите „Вездесъщият”, „Извън пътя”, „Събирач на трупове”, „Възвишение” и „Маймуна”. Снимки: БКИ - ПрагаДесетото издание на фестивала (официалният трейлър можете да видите на този линк) ще представи десет от най-награждаваните, стойностни и харесвани игрални филми от съвременната българска кинематография. Програмата предвижда и срещи на публиката с талантливите и именити режисьори Николай Волев, Илиян Джевелеков и Виктор Божинов, със сценариста Матей Константинов, с продуцента Георги Димитров, както и с един от най-обичаните български актьори – Филип Аврамов.

Наред с английските титри, Българският културен институт в Прага осигури превода и субтитрирането на чешки език на всички заглавия, които ще участват в традиционния вече празник на съвременното ни кино.

Отляво на дясно: кадри от филмите „Лили Рибката”, „Живи легенди”, „Урок”, „Летовници”  и „Слава”. Снимки: БКИ - ПрагаЧаст от съпътстващата фестивала програма ще бъде и изложбата „Автори и плакати. 100 години българско кино” (Autoři a plakáty – 100 let bulharského filmu), която е организирана в партньорство с Националния филмов център и „Студио Плакат 1”. В пражката галерия „Шестка” от 9 до 30 март посетителите ще могат да видят колекция от над 60 авторски постера, илюстриращи емблематични за българското кино заглавия – от неговото зараждане през 1915 г. до днес. Сред експонатите киноманите ще могат да видят плакати на филмови класики като „Хитър Петър и Настрадин Ходжа отраци” (1939) на режисьора Александър Вазов (1900-1972), „Любимец 13” (1958) на Владимир Янчев (1930-1992), „Двойникът” (1980) на Николай Волев, „Всичко е любов” (1979) на Борислав Шаралиев (1922-2002), и др. Колекцията представлява безценна хроника на развитието на родната ни кинематография и същевременно акцентира върху традициите и тенденциите в българския графичен и рекламен дизайн.

Десетият Фестивал на българското кино в Прага е ще се проведе под патронажа на министерствата на културата на Чешката република и на Република България.

* * *

ПРОГРАМА

15 март, четвъртък, 18:30 ч., кино „Луцерна”:
Официално откриване с „Вездесъщият”, носител на пет награди „Златна роза” 2017.
Гости: Илиян Джевелеков, Матей Константинов, Георги Димитров.

16 март, петък, 18:00 ч., кино „Луцерна”:
Зрителите ще се срещнат Николай Волев, един от най-големите режисьори в българското кино, и неговият най-нов филм „Извън пътя”.
Гост: Николай Волев

16 март, петък, 20:45 ч., кино „Луцерна”:
Прожекция на черната комедия „Събирач на трупове” на режисьора Димитър Димитров.

17 март, събота, 17:30 ч., кино „Луцерна”:
Представяне на филмовия хит „Възвишение” – екранизация по едноименния бестселър на писателя Милен Русков.
Гости: Виктор Божинов, Филип Аврамов.

17 март, събота, 20:45 ч., кино „Луцерна”:
Филмът „Маймуна” на Димитър Коцев-Шошо няма да остави зрителите безразлични.

18 март, неделя, 18:30 ч., кино „Луцерна” (малък салон):
Фестивалната публика ще се наслади на вълшебната история „Лили Рибката”, режисирана от Ясен Григоров.

От 19 март, понеделник, Фестивалът на българското кино ще продължи в салоните на кино „Пилоту”, където зрителите отново ще имат възможност да гледат четири от филмите, прожектирани в предишни издания на фестивала.

19 март, 18:30 часа, кино „Пилоту”:
„Живи легенди”
– жизнеутвърждаваща комедия на режисьора Ники Илиев.

20 март, вторник, 18:30 часа, кино „Пилоту”:
„Урок” – най-награждаваният български игрален филм на режисьорския тандем Кристина Грозева и Петър Вълчанов.

21 март, сряда, 18:30 часа, кино „Пилоту”:
киноманите отново ще се заредят с добро настроение с българската комедия „Летовници” на режисьора Ивайло Пенчев.

22 март, четвъртък, 18:30 часа, кино „Пилоту”:
„Слава” – покъртителната история на железничаря Цанко, разказана ни чрез езика на киното от Кристина Грозева и Петър Вълчанов.

Source Article from http://artnovini.com/art-mix/kino/2442-zapochva-desetiat-festival-na-bulgarskoto-kino-v-praga.html